El castillo del artista mexicano Jorge Méndez Blake de 2007.
Es una instalación de 2300×1750×400 centímetros hecha de ladrillos y de una edición de El castillo de Franz Kafka.
Derivas Urbanas
“Caminar no nos lleva en principio a ninguna parte luego nos permite llegar a cualquier lugar.”
18 sept 2018
18 mar 2018
"No hay nada más vasto que las cosas vacías" Francis Bacon
Traigo a colación una serie de citas extraídas del libro "Contra el tiempo. Filosofía práctica del instante" de Luciano Concheiro. Me interesa el sistema de citas sobre todo las referidas al artista Gabriel Orozco y su texto "Materia Escrita" del que Concheiro extrae parte de sus tesis. Reflejo aquí a vuela pluma algunas que creo pueden ser pertinentes para el tema que nos ocupa, ese paisaje intermedio, esa "zona" que como en el Stalker de Tarkovsky es un campo de posibilidades, una borradura de tiempo y espacio donde todo es posible.
Para Cartier-Bresson la fotografía es encontrar el momento decisivo que resume la esencia de la situación, la cámara era una extensión del ojo y atrapa la vida y la preserva en el acto mismo de vivir. Las fotografías de Gabriel Orozco manifiestan una posición antagónica a la de Cartier-Bresson no son un simulacro inmóvil de un instante, lo explica así:
"La fotografía mata, diseca. Aparenta poesía es casi cine, casi pintura. Es medicina. Suero. La peor de las ilusiones, legitimada por nuestra ceguera y nuestra ansia posesiva. La fotografía no es un arte. Es un arte caminar y saber ver lo que sucede. vemos lo que sucede, no las fotos (...) Caminar y observar: la fotografía es solo el registro de ese arte, el arte de la presencia. Caminar, ver y presentarse. Esa cosa se nos presenta y nosotros la podemos ver. Eso es un arte. La foto lo registra (siempre mal). El arte de estar ahí y percibir lo que sucede. El arte de descubrir. El arte de esperar que las cosas se revelen. De esperar que el tiempo se detenga." Materia Escrita p. 49
Las fotografías de Gabriel Orozco nos invitan a una mirada contemplativa a encontrar en lo cotidiano, en lo poco importante, en los intersticios de los grandes símbolos presencias de instantes dilatados.
En "Materia escrita" Gabriel Orozco señala: «Un libro cerrado no es arte.» En tal caso, estamos ante un objeto, una «cosa libro», de tinta y papel, que se transforma en poesía o narrativa gracias a la lectura. Curiosamente, ese proceso no acaba en el lector; exige una posdata: el comentario sobre lo leído. Nadie disfruta en silencio absoluto. El deseo debe contagiarse.
Frente al espectáculo y lo grandilocuente está lo minúsculo, lo que pasa desapercibido, lo anónimo.
"El arte decepciona. No es espectáculo y no es entretenimiento. Es una banqueta. Un foco, un ruido. No es nada del otro mundo. es concebida decepción, cosa casi real y aburrida para los espectadores del espectáculo"
El instante está contenido en los gestos simples: no en lo extraordinario, ni en lo excepcional, sino en la más sencilla cotidianidad.
...lo central son las pequeñas acciones... es una experiencia por eso necesita de una praxis. Para Antonio Labriola en la praxis se va "de la vida al pensamiento, y no del pensamiento a la vida"
"Mover las cosas con los pies. patear, patear. Un gesto simple que permita la contemplación"
"Patear una lata, aplaudir, eructar, tronar los dedos, pestañear, besar. El accidente, la revelación, la interrupción (lo que nos manda a otro estado). La calle, el exterior, externar el ruido del otro."
Lo posible es un infraleve. La posibilidad de que varios tubos de colores lleguen a ser un Seurat es "la explicación" concreta de lo posible como infraleve. Marcel Duchamp, Notas p. 20-39
Sobre el instante escribe Luciano Concheiro citando a Gabriel Orozco que a su vez cita a Octavio Paz:
"Todos hemos vivido - aunque casi siempre lo olvidamos- un momento en que la sucesión temporal se rompe. Un momento de epifanía, comunión, visión. A pesar de su naturaleza fugitiva, a través de esos momentos todos hemos vislumbrado nuestra realidad real, nuestra verdadera patria. Somos de allá, un allá que es un aquí. (..) al caminar, por una ciudad populosa o un paisaje solitario, ante un muro que se cierra o ante el mar que se abre, ante la muerte o en la alegría al ver un árbol y dos nubes. En soledad o en compañía. No, el tiempo no es puramente sucesión: hay rupturas que llamamos, no muy exactamente, epifanías: momentos en que transciende la sucesión. No somos mera temporalidad"
Sobre la experiencia Poética escribe Octavio Paz en "El Arco y la Lira" "Cada vez que el lector revive de veras el poema, accede a un estado que podemos llamar poético. La experiencia puede adoptar esta o aquella forma, pero es siempre un ir más allá de sí, un romper los muros temporales, para ser otro".
"La poesía pone al hombre fuera de sí y, simultáneamente, lo hace regresar a su ser original: lo vuelve a sí. El hombre es su imagen: él mismo y aquel otro. A través de la frase que es ritmo, que es imagen, el hombre -ese perpetuo ser llegar a ser- es. La poesía es entrar en el ser."
Las imágenes poéticas presentan en un solo momento, una pluralidad de eventos contradictorios. Anulan las diferencias y las oposiciones. Los principios lógicos y los criterios de sucesión temporal resultan inoperantes. Frente a la metáfora, hay exclusivamente percepción. Las barreras conceptuales desaparecen y entramos en comunión: un encuentro con la otredad en el que se vuelve evidente que yo soy tú y esto es aquello.
Como decía Bachelard en la poesía "el tiempo no corre. Brota".
Genera un tiempo que se opone a la prosa basado en la sucesión, si nos incorporamos al ritmo del poema experimentamos un tiempo suspendido.
De nuevo Octavio Paz: " La experiencia poética es un abrir las fuentes del ser. Un instante y jamás, un instante y para siempre. Instante en el que somos fuimos y seremos. Nacer y morir en un instante. En ese instante somos vida y muerte, esto y aquello.
"Tregua de vidrio
el son de la cigarra
taladra rocas"
Admirable
aquel que ante el relámpago
no dice: la vida huye...
Matsuo Basho
Andrei Tarkovsky, Stalker, 1979
Man Ray Terrain Vague, (original y recortada) 1929
"La fotografía mata, diseca. Aparenta poesía es casi cine, casi pintura. Es medicina. Suero. La peor de las ilusiones, legitimada por nuestra ceguera y nuestra ansia posesiva. La fotografía no es un arte. Es un arte caminar y saber ver lo que sucede. vemos lo que sucede, no las fotos (...) Caminar y observar: la fotografía es solo el registro de ese arte, el arte de la presencia. Caminar, ver y presentarse. Esa cosa se nos presenta y nosotros la podemos ver. Eso es un arte. La foto lo registra (siempre mal). El arte de estar ahí y percibir lo que sucede. El arte de descubrir. El arte de esperar que las cosas se revelen. De esperar que el tiempo se detenga." Materia Escrita p. 49
Las fotografías de Gabriel Orozco nos invitan a una mirada contemplativa a encontrar en lo cotidiano, en lo poco importante, en los intersticios de los grandes símbolos presencias de instantes dilatados.
En "Materia escrita" Gabriel Orozco señala: «Un libro cerrado no es arte.» En tal caso, estamos ante un objeto, una «cosa libro», de tinta y papel, que se transforma en poesía o narrativa gracias a la lectura. Curiosamente, ese proceso no acaba en el lector; exige una posdata: el comentario sobre lo leído. Nadie disfruta en silencio absoluto. El deseo debe contagiarse.
Frente al espectáculo y lo grandilocuente está lo minúsculo, lo que pasa desapercibido, lo anónimo.
"El arte decepciona. No es espectáculo y no es entretenimiento. Es una banqueta. Un foco, un ruido. No es nada del otro mundo. es concebida decepción, cosa casi real y aburrida para los espectadores del espectáculo"
El instante está contenido en los gestos simples: no en lo extraordinario, ni en lo excepcional, sino en la más sencilla cotidianidad.
...lo central son las pequeñas acciones... es una experiencia por eso necesita de una praxis. Para Antonio Labriola en la praxis se va "de la vida al pensamiento, y no del pensamiento a la vida"
"Mover las cosas con los pies. patear, patear. Un gesto simple que permita la contemplación"
"Patear una lata, aplaudir, eructar, tronar los dedos, pestañear, besar. El accidente, la revelación, la interrupción (lo que nos manda a otro estado). La calle, el exterior, externar el ruido del otro."
Lo posible es un infraleve. La posibilidad de que varios tubos de colores lleguen a ser un Seurat es "la explicación" concreta de lo posible como infraleve. Marcel Duchamp, Notas p. 20-39
Sobre el instante escribe Luciano Concheiro citando a Gabriel Orozco que a su vez cita a Octavio Paz:
"Todos hemos vivido - aunque casi siempre lo olvidamos- un momento en que la sucesión temporal se rompe. Un momento de epifanía, comunión, visión. A pesar de su naturaleza fugitiva, a través de esos momentos todos hemos vislumbrado nuestra realidad real, nuestra verdadera patria. Somos de allá, un allá que es un aquí. (..) al caminar, por una ciudad populosa o un paisaje solitario, ante un muro que se cierra o ante el mar que se abre, ante la muerte o en la alegría al ver un árbol y dos nubes. En soledad o en compañía. No, el tiempo no es puramente sucesión: hay rupturas que llamamos, no muy exactamente, epifanías: momentos en que transciende la sucesión. No somos mera temporalidad"
Sobre la experiencia Poética escribe Octavio Paz en "El Arco y la Lira" "Cada vez que el lector revive de veras el poema, accede a un estado que podemos llamar poético. La experiencia puede adoptar esta o aquella forma, pero es siempre un ir más allá de sí, un romper los muros temporales, para ser otro".
"La poesía pone al hombre fuera de sí y, simultáneamente, lo hace regresar a su ser original: lo vuelve a sí. El hombre es su imagen: él mismo y aquel otro. A través de la frase que es ritmo, que es imagen, el hombre -ese perpetuo ser llegar a ser- es. La poesía es entrar en el ser."
Las imágenes poéticas presentan en un solo momento, una pluralidad de eventos contradictorios. Anulan las diferencias y las oposiciones. Los principios lógicos y los criterios de sucesión temporal resultan inoperantes. Frente a la metáfora, hay exclusivamente percepción. Las barreras conceptuales desaparecen y entramos en comunión: un encuentro con la otredad en el que se vuelve evidente que yo soy tú y esto es aquello.
Como decía Bachelard en la poesía "el tiempo no corre. Brota".
Genera un tiempo que se opone a la prosa basado en la sucesión, si nos incorporamos al ritmo del poema experimentamos un tiempo suspendido.
De nuevo Octavio Paz: " La experiencia poética es un abrir las fuentes del ser. Un instante y jamás, un instante y para siempre. Instante en el que somos fuimos y seremos. Nacer y morir en un instante. En ese instante somos vida y muerte, esto y aquello.
"Tregua de vidrio
el son de la cigarra
taladra rocas"
Admirable
aquel que ante el relámpago
no dice: la vida huye...
Matsuo Basho
Gabriel Orozco, Aliento sobre piano (Breath on Piano), 1993
Gabriel Orozco, De techo a techo (From Roof to Roof) 1993
Gabriel Orozco, Pelota en el agua (Ball on the water), 1994
5 mar 2018
Donde la ciudad pierde su nombre. Estudio de caso Lara Almárcegui.
Antes de que la naturaleza se manifieste y el bosque haga su aparición, cuando salimos de la ciudad encontramos tierras baldías, descampados, construcciones erráticas, ruinas y restos industriales, vías de comunicación rápida y carteles publicitarios, polígonos industriales y grandes zonas vacías con huellas de la intervención humana. No es fácil llegar a lo que podemos llamar lo rural, el campo, las zonas cultivadas y a al paisaje natural si es que todavía existe.
Heterotopías
Michael Foucault fue uno de los primeros en denunciar la obsesión que el siglo XIX y gran parte del XX demostró por la historia y por el tiempo, reivindicando que nuestra época era la época del espacio, "la época del cerca y el lejos, del lado a lado, de lo disperso". En 1967 Foucault planteó un término actualmente inevitable en cualquier discurso sobre la ciudad contemporánea: el de Heterotopía, el espacio del mundo contemporáneo por excelencia. Frente al conjunto jerárquicamente organizado que caracterizaba al territorio medieval, hoy en día "el espacio en el que vivimos (...) es un espacio heterogéneo. En otras palabras, no vivimos en una especie de vacío, dentro del cual localizamos individuos y cosas. (...) vivimos dentro de una red de relaciones que delinean lugares que son irreducibles unos a otros y absolutamente imposibles de superponer". El concepto de heterotopía como un espacio heterogéneo de lugares y relaciones sería de vital importancia para los geógrafos y economistas de las décadas siguientes a la hora de definir, no sólo la red global que caracteriza el territorio tardocapitalista, sino la propia ciudad contemporánea.
FOUCAULT, Michael. Des espaces autres, 1967.
Middle Landscape Paisajes intermedios
El paisaje suburbano estadounidense resultante del boom inmobiliario anterior a la crisis del petróleo es un extraño híbrido de nostalgia pastoral y desarrollo tecnológico que ha sido caracterizado en multitud de ocasiones por su condición radicalmente entrópica. Desde la teoría urbana, Peter G. Rowe los caracterizó como paisajes intermedios y de transición, acuñando el término Middle Landscape.
ROWE, Peter G. Making a Middle Landscape. Cambridge, MA: The MIT Press, 1991.
“Me interesan los lugares no diseñados. Como las huertas urbanas, donde la gente se dedica a no aceptar el urbanismo planificado, y cada uno construye su propio paraíso. O como los descampados, que son los lugares de la ciudad que han escapado al diseño de los arquitectos, lo que los convierte en el lugar de la posibilidad y la libertad. Lugares sin definir en los que actúa el azar, sin un plan determinado”.
"El discurso de los descampados, al contrario del del resto de espacios urbanos, no corresponde con una representación determinada, por eso es un discurso libre: «corrupción», «dejadez», «entropía», «conflictos inmobiliarios y sociales», «fauna y vegetación salvaje» forman parte de su vocabulario. Los descampados no son solo lo contrario de lo construido, no se presentan como su negativo, sino que además de ofrecer una crítica a la ciudad que los alberga, construyen otra realidad. A mí desde luego me interesan más que esa imagen que los políticos me dan de lo urbano. Ejemplos de esas imágenes de ciudad ideales que combato serían la ciudad creativa, la ciudad parque temático de sí misma, la ciudad de turismo…"
Parque fluvial abandonado. Lara Almarcegui. Musac. Avenida de los Reyes Leoneses, 24 .
León. Del 19 de enero al 13 octubre
Heterotopías
Michael Foucault fue uno de los primeros en denunciar la obsesión que el siglo XIX y gran parte del XX demostró por la historia y por el tiempo, reivindicando que nuestra época era la época del espacio, "la época del cerca y el lejos, del lado a lado, de lo disperso". En 1967 Foucault planteó un término actualmente inevitable en cualquier discurso sobre la ciudad contemporánea: el de Heterotopía, el espacio del mundo contemporáneo por excelencia. Frente al conjunto jerárquicamente organizado que caracterizaba al territorio medieval, hoy en día "el espacio en el que vivimos (...) es un espacio heterogéneo. En otras palabras, no vivimos en una especie de vacío, dentro del cual localizamos individuos y cosas. (...) vivimos dentro de una red de relaciones que delinean lugares que son irreducibles unos a otros y absolutamente imposibles de superponer". El concepto de heterotopía como un espacio heterogéneo de lugares y relaciones sería de vital importancia para los geógrafos y economistas de las décadas siguientes a la hora de definir, no sólo la red global que caracteriza el territorio tardocapitalista, sino la propia ciudad contemporánea.
FOUCAULT, Michael. Des espaces autres, 1967.
Middle Landscape Paisajes intermedios
El paisaje suburbano estadounidense resultante del boom inmobiliario anterior a la crisis del petróleo es un extraño híbrido de nostalgia pastoral y desarrollo tecnológico que ha sido caracterizado en multitud de ocasiones por su condición radicalmente entrópica. Desde la teoría urbana, Peter G. Rowe los caracterizó como paisajes intermedios y de transición, acuñando el término Middle Landscape.
ROWE, Peter G. Making a Middle Landscape. Cambridge, MA: The MIT Press, 1991.
“Me interesan los lugares no diseñados. Como las huertas urbanas, donde la gente se dedica a no aceptar el urbanismo planificado, y cada uno construye su propio paraíso. O como los descampados, que son los lugares de la ciudad que han escapado al diseño de los arquitectos, lo que los convierte en el lugar de la posibilidad y la libertad. Lugares sin definir en los que actúa el azar, sin un plan determinado”.
"El discurso de los descampados, al contrario del del resto de espacios urbanos, no corresponde con una representación determinada, por eso es un discurso libre: «corrupción», «dejadez», «entropía», «conflictos inmobiliarios y sociales», «fauna y vegetación salvaje» forman parte de su vocabulario. Los descampados no son solo lo contrario de lo construido, no se presentan como su negativo, sino que además de ofrecer una crítica a la ciudad que los alberga, construyen otra realidad. A mí desde luego me interesan más que esa imagen que los políticos me dan de lo urbano. Ejemplos de esas imágenes de ciudad ideales que combato serían la ciudad creativa, la ciudad parque temático de sí misma, la ciudad de turismo…"
Lara Almarcegui, Guía de descampados 12 terrenos esperando a los juegos olímpicos Londres 2012 2009
Lara se refiere a sus obras como ‘proyectos’
“A veces el resultado es una documentación, normalmente fotografías, pero también mapas, guías, etc. Otras, una instalación que se expone en un lugar. Pero muchas veces la obra en sí es una acción que dura un mes, una semana, un día. No son acciones en un momento determinado, con un público determinado, con un horario. Mi público es el accidental que pasa por la calle ese día, o los vecinos del lugar. Eso me parece interesante, saber que mi público es flexible y que se hace en cada acción. Cuando hago un proyecto en un lugar, se habla sobre ese lugar, sobre su pasado, su futuro, los planes, qué uso tiene, si está abandonado o no, siempre se habla. Y en ese sentido creo que pueden ser bastante críticos, porque provocan esa discusión”.
Para mí el proyecto de arte está siempre en el lugar donde lo estoy realizando. Los proyectos los propongo para ese entorno determinado y, a menudo, ni siquiera sé si los expondré luego en una sala. Hay trabajos que no llevo nunca a la sala de exposiciones y los produje porque tenían sentido en el lugar. Si luego mantienen contenido, los llevo al museo. Así, hay proyectos como los que desarrollé en Gante o Benlloc este año que aún no sé si tendrán cabida en un espacio artístico.
Para mí el proyecto de arte está siempre en el lugar donde lo estoy realizando. Los proyectos los propongo para ese entorno determinado y, a menudo, ni siquiera sé si los expondré luego en una sala. Hay trabajos que no llevo nunca a la sala de exposiciones y los produje porque tenían sentido en el lugar. Si luego mantienen contenido, los llevo al museo. Así, hay proyectos como los que desarrollé en Gante o Benlloc este año que aún no sé si tendrán cabida en un espacio artístico.
Restaurando el Mercado de Gros pocos días antes de su demolición. San Sebastián, 1995.
“Este proyecto lo hice dentro de un taller cuyo resultado debía ser una exposición que duraría solo un día, ya que se inauguraría el día antes de la demolición del edificio. Cuando fui a visitarlo me quedé estupefacta. Por una parte, el mercado como arquitectura era muy interesante, un edificio muy
movimiento moderno. Pero es que además seguía funcionando: los puestos estaban abiertos, los comerciantes y sus clientes seguían como si nada. Y todo iba a desaparecer de un día para otro. Yo quería reivindicar los valores del mercado, el edificio, su significado social. Por eso me puse a restaurarlo, que era una idea loca, porque sabía que lo iban a demoler de todas formas.
Estuve un mes trabajando en una de sus fachadas. Los organizadores del taller me ofrecieron
contratar alguien que me ayudara. Pero decidimos que no, que era mejor que lo hiciera sola,
aunque se pudiera restaurar menos. Una chica del taller también me ayudaba a veces.
Pensamos que era más fuerte así, dos chicas solas subidas al andamio.”
Removal of the Wooden Floor, Grafisches Kabinett, Secession Lara Almarcegui, 2010
“Se trata de un proyecto pensado para intervenir en una sala de exposiciones y no considerarla
como mero contenedor. Consiste en levantar el suelo hasta llegar al material que hay debajo.
Si puede ser la tierra, mejor. Luego se vuelve a colocar. Cuando se inaugura la exposición,
parece que no se ha hecho nada, pero mediante la proyección de una serie de pequeñas
diapositivas, se cuenta el proceso. La proyección muestra el sitio donde estás, te enseña lo que
hay debajo de ti."
León. Del 19 de enero al 13 octubre
El “terreno encontrado”
su trabajo se desprende una fascinación persistente por los procesos de desaparición arquitectónica y sus legados materiales: demoliciones, ruinas, escombros. En concordancia con este interés, se sitúa su aproximación al descampado, un hueco que aparece periódicamente en la urbe contemporánea, como si fuera desvelado cuando se derriba un edificio.
"Intento evitar la palabra «paisaje». Intento evitarla por lo que tiene de representación de un espacio. A mí me interesan los lugares, los lugares con la mínima mediación posible. Y entre estos, sobre todo me llaman la atención los lugares sin diseñar, es decir, los descampados. Por supuesto podrías decirme que esto también es un paisaje."
"Intento evitar la palabra «paisaje». Intento evitarla por lo que tiene de representación de un espacio. A mí me interesan los lugares, los lugares con la mínima mediación posible. Y entre estos, sobre todo me llaman la atención los lugares sin diseñar, es decir, los descampados. Por supuesto podrías decirme que esto también es un paisaje."
Lara Almarcegui continúa una tradición que, partiendo del dadaísmo, pasa por el object trouvé surrealista.
A través de sus textos, podemos ver como su obra acusa la influencia de lo “insólito cotidiano” del surrealismo, y su visión extrañada del entorno.
Véase, a título de ejemplo, L. Aragon, Le paysan du Paris, Gallimard, París, 2001.
Robert Smithson, en los textos de recorridos por ruinas, como Passaic u Hotel Palenque, ha sido una gran influencia para los proyectos de guías de descampados; los cortes de Matta-Clark, para mostrar los materiales de construcción.
Me identifico mucho más con Gordon Matta-Clark o el Robert Smithson de los Monumentos de Passaic, que es un texto, que con Walter de Maria o el Smithson de la Spiral Jetty.
"Me gustan mucho las guías de descampados porque están desapareciendo y hay que documentarlos. Me gustan los proyectos de preservar descampados por lo mismo. También los trabajos de escombros y materiales de construcción, que se han expuesto o se han presentado como listados, porque son una forma de desmontar un edificio y todo un puñetazo a la arquitectura, facilitando ver cómo está hecha. Pero también me interesan los proyectos de cavar o subterráneos. Te he nombrado más de tres proyectos; más bien, tres temas: descampados, subterráneos y escombros."
En su libro Twentysix Gasoline Stations (1962), Ed Ruscha exhibe 26 capturas fotográficas de las estaciones de gasolina, ubicadas en la ruta 40 entre las ciudades de Los Angeles (donde residía) y Oklahoma (lugar de residencia de su madre), por las que pasaba cada vez que la visitaba. Estas fotografías eran, según él, como “un alfabeto personal”. Ruscha se auto-publicó este libro de artista, considerado hoy uno de los primeros libros de artista modernos en Norteamérica, en una tirada original de 400 ejemplares y luego los distribuyó en cada una de estas gasolineras, en las que se encontraba a la venta al público.
Podéis ver algunas obras de Josef Koudelca sobre estos espacios de las afueras en la entrada de este blog "Mereces lo que sueñas"
Otra referencia interesante es el colectivo Stalker:
Stalker, osservatorio nomade.
Véase, a título de ejemplo, L. Aragon, Le paysan du Paris, Gallimard, París, 2001.
Descampados de Ámsterdam Wastelands of Amsterdam, 1998-99
Robert Smithson, en los textos de recorridos por ruinas, como Passaic u Hotel Palenque, ha sido una gran influencia para los proyectos de guías de descampados; los cortes de Matta-Clark, para mostrar los materiales de construcción.
Me identifico mucho más con Gordon Matta-Clark o el Robert Smithson de los Monumentos de Passaic, que es un texto, que con Walter de Maria o el Smithson de la Spiral Jetty.
En “A Tour of the Monuments of Passaic” Robert Smithson documenta un viaje por la periferia de Nueva Jersey, a través de un entorno de abandono. Publica el texto en forma de artículo en Art Forum con el título “The Monuments of Passaic” describiendo este recorrido. De manera paralela, en la galería Dwan se exhiben algunos documentos artísticos resultantes de la “odisea suburbana”: un mapa en negativo de la zona y veinticuatro fotografías en blanco y negro.
Smithson observa en Passaic un interés pseudocientífico, un lugar idóneo donde analizar los restos del pasado. Son ruinas, pero no la clase de ruinas románticas a las que estamos acostumbrados, sino ruinas industriales de un pasado bastante más reciente, testigos del olvido y del "progreso de la historia." El análisis del artista americano parte de lo negativo, de lo sobrante, de los restos. Interpreta el paisaje ruinoso de Passaic como si fuera un terreno dialéctico, una contraposición de tensiones a punto de estallar, un lugar marginal también definido como old suburbia:
"en los suburbios mutilados de Nueva Jersey, Smithson halló el equivalente de una línea de falla geológica que dividía dos zonas adyacentes pero hostiles: la ciencia y la ficción, la creación y la destrucción, la civilización y el desierto."
Larson, K. "Los paseos geológicos de Robert Smithson", en: El paisaje entrópico, op cit, p. 27.
"Hay una ecuación entre el disfrute de la vida y el derroche" es decir cuanto más riqueza se tiene más basura se crea. La recolección y el reciclaje de esos deshechos podría ser una salida a un proceso entrópico irreversible. Buscar en el fragmento y reciclarlo, una idea que ya había postulado Walter Benjamin en su interés por los desechos de la historia, por el " detritus", los descartes y los márgenes que quedan olvidados por el discurso historicista, y que convergería en la figura del trapero, que no es más que el encargado de reciclar, de coleccionar y de reincorporar el fragmento, el desecho o la ruina:
"No voy a ocultar nada que valga la pena, ni apropiarme de forma espiritual alguna. Pero lo trapos, los desechos: ésos yo no quiero inventariarlos sino hacerles justicia de la única manera posible, a saber utilizándolos".
Benjamin, W. Atlas. Walter Benjamin. Constelaciones, Madrid, Circulo de Bellas Artes, 2010, p.20.
El tiempo entrópico es el vector que definiría los nuevos monumentos, es un tiempo que rechaza "la decadencia o evolución biológica"
No es de extrañar que Smithson estuviera interesado por la formaciones geológicas, por la mineralogía y la cristalogía, en definitiva, las erosiones del tiempo que representan una materia incontrolable, casi esparcida, un tiempo de la tierra, que comprende una temporalidad inabarcable para el ser humano.
R. Smithson, “A Tour of the Monuments of Passaic”, en Robert Smithson: El Paisaje Entrópico, Una retrospectiva 1960-1973 (Valencia, IVAM, 1993), M. Gilchrist y J. Lingwood (eds.), Valencia, 1993, pp. 74-77.
Smithson observa en Passaic un interés pseudocientífico, un lugar idóneo donde analizar los restos del pasado. Son ruinas, pero no la clase de ruinas románticas a las que estamos acostumbrados, sino ruinas industriales de un pasado bastante más reciente, testigos del olvido y del "progreso de la historia." El análisis del artista americano parte de lo negativo, de lo sobrante, de los restos. Interpreta el paisaje ruinoso de Passaic como si fuera un terreno dialéctico, una contraposición de tensiones a punto de estallar, un lugar marginal también definido como old suburbia:
"en los suburbios mutilados de Nueva Jersey, Smithson halló el equivalente de una línea de falla geológica que dividía dos zonas adyacentes pero hostiles: la ciencia y la ficción, la creación y la destrucción, la civilización y el desierto."
Larson, K. "Los paseos geológicos de Robert Smithson", en: El paisaje entrópico, op cit, p. 27.
"Viajar de la ciudad a la periferia te lleva al filo de lo temporal. La dualidad entre centro y periferia se manifiesta mejor en Nueva York, tanto que la conciencia del tiempo deviene "dual" es una constante en su trabajo y sobretodo en esta obra: centro versus periferia, sólido versus liquido, así como oposición en términos de ausencia; por ello el uso de vocabulario referidos vacíos, agujeros, a los que añade una dimensión temporal "es un viaje en el tiempo te ye lleva a una memoria del futuro". Smithson, p. 75.
La estrategia de Smithson en Passaic consiste en descontextualizar esas "ruinas" del pasado industrial y que se erigen como monumentos a un futuro inverso; por ello las alusiones constantes al escritor Vladimir Nabokov: "el futuro es lo obsoleto al revés" - cita que Smithson reincorpora en su texto sobre Passaic y que condesa con bastante precisión el concepto de tiempo en el artista americano-.
La idea de viaje del movimiento, del desplazamiento va tomando forma en los viajes que Smithson empieza a hacer y que se remontan a 1965, él mismo confiesa: "habían ciertos lugares que me atraían más, lugares que habían sido de alguna maneta pulverizados o perturbados. En realidad mas que una belleza escénica buscaba una desnaturalizacion".
"No voy a ocultar nada que valga la pena, ni apropiarme de forma espiritual alguna. Pero lo trapos, los desechos: ésos yo no quiero inventariarlos sino hacerles justicia de la única manera posible, a saber utilizándolos".
Benjamin, W. Atlas. Walter Benjamin. Constelaciones, Madrid, Circulo de Bellas Artes, 2010, p.20.
El tiempo entrópico es el vector que definiría los nuevos monumentos, es un tiempo que rechaza "la decadencia o evolución biológica"
No es de extrañar que Smithson estuviera interesado por la formaciones geológicas, por la mineralogía y la cristalogía, en definitiva, las erosiones del tiempo que representan una materia incontrolable, casi esparcida, un tiempo de la tierra, que comprende una temporalidad inabarcable para el ser humano.
R. Smithson, “A Tour of the Monuments of Passaic”, en Robert Smithson: El Paisaje Entrópico, Una retrospectiva 1960-1973 (Valencia, IVAM, 1993), M. Gilchrist y J. Lingwood (eds.), Valencia, 1993, pp. 74-77.
Several guides by Lara Almarcegui
Michelangelo Antonioni, Deserto Rosso (1964)
Anselm Kiefer, Árido paisaje (1969)
Robert Smithson, Asphalt Rundown (1969)
Podéis ver algunas obras de Josef Koudelca sobre estos espacios de las afueras en la entrada de este blog "Mereces lo que sueñas"
Otra referencia interesante es el colectivo Stalker:
Stalker, osservatorio nomade.
13 feb 2018
Local / Global
“Al principio la fe movía montañas sólo cuando era absolutamente necesario, con lo que el paisaje permanecía igual a sí mismo durante milenios. Pero cuando la Fe comenzó a propagarse y a la gente le pareció divertida la idea de mover montañas, éstas no hacían sino cambiar de sitio, y cada vez era más difícil encontrarlas en el lugar en el que uno las había dejado la noche anterior; cosa que por supuesto creaba más dificultades que las que resolvía. La buena gente prefirió entonces abandonar la Fe y ahora las montañas permanecen por lo general en su sitio. Cuando en la carretera se produce un derrumbe bajo el cual mueren varios viajeros es que alguien, muy lejano o inmediato, tuvo un ligerísimo atisbo de fe”
Augusto Monterroso, “La fe y las montañas” en La oveja negra y demás fábulas, Joaquín Mortiz, México, 1969 citado en Francis Alÿs, Cuauhtémoc Medina, When Faith Moves Mountains/ Cuando la fe mueve montañas, Turner, Madrid, 2005, p.11.
¿Qué supone mover una montaña?
¿Qué sentido tiene tiene para la población local?
“Los lugares son historias fragmentarias y replegadas […]. Lo memorable es lo que puede soñarse acerca del lugar. Una vez en este lugar palimpsesto, la subjetividad se articula sobre la ausencia que la estructura como existencia y la hace ‘estar allí’, Dasein. Pero, se ha visto, ese estar ahí sólo se ejerce en las prácticas del espacio, es decir, en maneras de pasar al otro”
Augusto Monterroso La invención de lo cotidiano. Volumen 1. Artes de hacer, Universidad
Iberoamericana, Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente,
México D.F, 2000, p. 121.
Sooja escogió para las primeras performances las grandes capitales mundiales y en una segunda serie la más pobres y violentas. Estas experiencias le mostraron que el mundo está lleno de conflictos y discriminación y que la supuesta globalización está frustrada de facto por la imposibilidad de la libre circulación de los flujos humanos entre los distintos países lastradas por sus condiciones de partida: económicas, políticas, de raza o religión.
Hariton Pushwagner, Soft City, 1969-1975
Cómic gráfico de más de ciento cincuenta hojas, la vida cotidiana y mecanizada de una familia moderna cualquiera.
La repetición mecánica transciende la localidad del lugar y se instala en un espacio global. No es tanto un fruto de la globalización capitalista que se nos impone desde fuera, sino más bien de la falta de originalidad de la vida cotidiana, del automatismo y comodidad que buscamos en el escenario "cómodo" y previsible de la gran ciudad.
Augusto Monterroso, “La fe y las montañas” en La oveja negra y demás fábulas, Joaquín Mortiz, México, 1969 citado en Francis Alÿs, Cuauhtémoc Medina, When Faith Moves Mountains/ Cuando la fe mueve montañas, Turner, Madrid, 2005, p.11.
¿Qué supone mover una montaña?
¿Qué sentido tiene tiene para la población local?
“Los lugares son historias fragmentarias y replegadas […]. Lo memorable es lo que puede soñarse acerca del lugar. Una vez en este lugar palimpsesto, la subjetividad se articula sobre la ausencia que la estructura como existencia y la hace ‘estar allí’, Dasein. Pero, se ha visto, ese estar ahí sólo se ejerce en las prácticas del espacio, es decir, en maneras de pasar al otro”
Augusto Monterroso La invención de lo cotidiano. Volumen 1. Artes de hacer, Universidad
Iberoamericana, Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente,
México D.F, 2000, p. 121.
Campos de Batalla
Bleda y Rosa, Campo de la matanza, primero de septiembre de 1054. De la
serie Campos de Batalla, 1995-1996
Los mapas que son la representación plana de un territorio, aparte de servir para localizar los lugares específicos dentro del mismo, son herramientas de pensamiento estratégico. Los campos de batalla fotografiados por Bleda y Rosa han sido localizados por medio de un mapa y han sido antes estudiados por medio de otros mapas para planificar la batalla. El mapa se constituyó así en un espacio mental de pensamiento, un lugar de ideación de un futuro que después se concretaría en una carnicería humana. La doble condición de reflejar una realidad concreta y a su vez, de ser vehículo de ideación de escenarios y acontecimientos futuros lo hacen herramienta imprescindible para la dominación del territorio y como consecuencia de todos sus habitantes. De ahí que las ciencias de la cartografía se hayan desarrollado fundamentalmente en los ministerios de la guerra al servicio de los ejércitos.
“Sería legítimo definir el poder de conocimiento por medio de esta capacidad de transformar las incertidumbres de la historia en espacios legibles (lugares)”
Michel de Certeau, “De las prácticas cotidianas”, p. 401.
Kim Sooja, A Needle Woman, 1999-2001
Hariton Pushwagner, Soft City, 1969-1975
Cómic gráfico de más de ciento cincuenta hojas, la vida cotidiana y mecanizada de una familia moderna cualquiera.
La repetición mecánica transciende la localidad del lugar y se instala en un espacio global. No es tanto un fruto de la globalización capitalista que se nos impone desde fuera, sino más bien de la falta de originalidad de la vida cotidiana, del automatismo y comodidad que buscamos en el escenario "cómodo" y previsible de la gran ciudad.
13 dic 2017
Cartografías Contemporáneas. Hugh Ferris. The Metropolis of Tomorrow
Catálogo Cartografías Contemporáneas
Hugh Ferriss dominó el medio de la sombra y la luz, moldeando la forma de una manera que realmente captura el espíritu del lugar y del ser. Su amontonamiento de formas a menudo sobrecarga al espectador y crea un peso ominoso de la realidad en sus dibujos. Las tinieblas y la luz chocan en modales que definen y dan forma al espacio y crean misterio. El misterio invita a la exploración. Pero quizás más que cualquier otra cosa, la escala humana es lo que se vuelve particularmente conmovedora en los renders de Ferriss. Las estructuras están representadas a una escala tan inmensa; su inmensidad es casi incomprensible. Sin embargo, podemos relacionarnos con esos individuos en sus obras, su perspectiva personal del mundo que los rodea se convierte en la nuestra. La asombrosa disparidad de estructuras imponentes, los megalitos de nuestro tiempo y el detalle del espacio personal es lo que proporciona este drama del lugar. Podemos relacionarnos con este drama, viviendo vicariamente en un mundo que tal vez nunca experimentemos, y entenderlo implícitamente.
La intersección de la' gran idea' y una perspectiva singular del pensamiento es lo que equilibra los reinos del diseño en las representaciones de Ferriss. El detalle se hace muy evidente por el conjunto, no a pesar de ello. Es este sentido precioso de la vida en presencia de un todo abrumador, la gran escala del lugar, que proporciona el escenario para que reinos más pequeños de interacción ocurran. A través de su impresionante retrato de mundos aún no construidos, Ferriss atrae al espectador a un drama tan real como el mundo más allá de la imagen. Un teatro para representar el espíritu de la vida misma.
Hugh Ferris en su estudio
Hugh Ferriss, La metrópolis del mañana, 1929
Verticals On Wide Avenues
(In which the buildings footprints are shrunk and spaced further
apart to allow for maximum street level traffic flow.)
Hugh Ferriss, Overhead of Traffic, La metrópolis del mañana, 1929
la gran escala del detalle...
es asombroso el simple poder
que las imágenes en blanco y negro poseen.
4 dic 2017
El Punto Ciego / the Waste City, Italo Calvino, derivas, J. Cage, W.J.T. Mitchell y más
A propósito de la entrada de Chema Iglesias sobre Cage dejo aquí una cita de Calvino que utilicé como referencia imprescindible para un proyecto que realicé en 2006, el primero de una serie.
Las memorias completas se pueden ver en issuu
Al hilo de estas reflexiones sobre el intercambio entre el lenguaje verbal y las imágenes en "El ensayo fotográfico: cuatro casos de estudio" W.J.T. Mitchell plantea tres preguntas en las que sería interesante penséis un poco:
1. ¿Cuál es la relación entre la fotografía y el lenguaje?
2. ¿Qué importa cuál sea esta relación?
3. ¿Cómo se enfocan estas cuestiones en el medio que se conoce como ensayo fotográfico?
Le pasé a Irene Figueroa un link a propósito de su trabajo con una entrada que hice hace tiempo y que creo os puede servir a todos.
Respeta el PH de las lágrimas
29 nov 2017
(tiempo entre paréntesis) Juanan Requena
Mar de Indecisiones es el último cuaderno del artista visual Juanan Requena.
Un artista que trabaja con la escritura y la fotografía construyendo cuadernos que son ensayos visuales, a caballo entre el libro de poemas y fotolibro.
Requena apuesta por una estética del "hecho a mano" trabajando cada textura del papel, los teñidos, los collages con una pátina de tiempo, como si la fotografía no fuera sólo la imagen detenida del recuerdo, sino que todo el conjunto del cuaderno destila un tiempo pasado, un tiempo detenido, un tiempo entre paréntesis, como la cita que recolecta de Jacinto Benavente:
"Los recuerdos tienen más poesía que las esperanzas; como las ruinas son mucho más poéticas que los planos de un edificio en proyecto."
De una sensibilidad exquisita os recomiendo bucear por su mundo, seguro que saldréis enriquecidos.
Juanan Requena es un recolector de citas y de imágenes, como Miguel Ángel Blanco y Herman de Vries, lo son de las huellas naturales. Comparte con el primero además, la necesidad de publicar y de construir sus propios libros.
Dejo ésta cita de Jonas Mekas, por lo que nos atañe:
“ Me gustaría celebrar las pequeñas formas del cine: la forma lírica, el poema, el estudio, el boceto, el retrato, el arabesco y la bagatela, y las pequeñas canciones en 8 mm. En un tiempo en el que todo el mundo quiere tener éxito y vender, yo quiero cantar a aquellos que abrazan el fracaso social y diario para perseguir lo invisible, las cosas personales que no dan dinero ni pan, ni hacen historia contemporánea, historia del arte, ni de ningún otro tipo. Yo abogo por el arte que hacemos los unos para los otros, como amigos. ”
- J. Mekas
Página de Juanan Requena:
http://thereyouwere.tumblr.com/#!prettyPhoto
Un artista que trabaja con la escritura y la fotografía construyendo cuadernos que son ensayos visuales, a caballo entre el libro de poemas y fotolibro.
Requena apuesta por una estética del "hecho a mano" trabajando cada textura del papel, los teñidos, los collages con una pátina de tiempo, como si la fotografía no fuera sólo la imagen detenida del recuerdo, sino que todo el conjunto del cuaderno destila un tiempo pasado, un tiempo detenido, un tiempo entre paréntesis, como la cita que recolecta de Jacinto Benavente:
"Los recuerdos tienen más poesía que las esperanzas; como las ruinas son mucho más poéticas que los planos de un edificio en proyecto."
De una sensibilidad exquisita os recomiendo bucear por su mundo, seguro que saldréis enriquecidos.
Juanan Requena es un recolector de citas y de imágenes, como Miguel Ángel Blanco y Herman de Vries, lo son de las huellas naturales. Comparte con el primero además, la necesidad de publicar y de construir sus propios libros.
Dejo ésta cita de Jonas Mekas, por lo que nos atañe:
“ Me gustaría celebrar las pequeñas formas del cine: la forma lírica, el poema, el estudio, el boceto, el retrato, el arabesco y la bagatela, y las pequeñas canciones en 8 mm. En un tiempo en el que todo el mundo quiere tener éxito y vender, yo quiero cantar a aquellos que abrazan el fracaso social y diario para perseguir lo invisible, las cosas personales que no dan dinero ni pan, ni hacen historia contemporánea, historia del arte, ni de ningún otro tipo. Yo abogo por el arte que hacemos los unos para los otros, como amigos. ”
- J. Mekas
Página de Juanan Requena:
http://thereyouwere.tumblr.com/#!prettyPhoto
28 nov 2017
Unland
LA POÉTICA DEL ESPACIO
Gastón Bachelard
...Tout respire a nouveau
La nappe est blanche.
[... Todo respira nuevamente / El mantel es blanco.]
Rene Cazelles, De terre et d'envoléc, ed. G.L.M., 1953, p. 36.
El mantel, ese puñado de blancura, bastó para anclar la casa en su centro.
Y tenemos calor, porque hace frío fuera. En la continuación de ese "paraíso artificial" sumergido en el invierno Baudelaire dice que el soñador pide un invierno duro. "El pide anualmente al cielo tanta nieve, granizo y heladas cuantas puede contener. Necesita un invierno canadiense, un invierno ruso ... con ello su nido será más cálido, más dulce, más amado..."
p.54
La imagen de esas casas que integran el viento, que aspiran a una levedad aérea, que llevan sobre el árbol de su crecimiento inverosímil un nido dispuesto a volar,
P.63
Levedad
I. calvino
Seis propuestas para el próximo milenio
De rerum natura de Lucrecio es la primera gran obra de poesía en la que el conocimiento del mundo se convierte en disolución de la compacidad del mundo, en percepción de lo infinitamente minúsculo y móvil y leve. Lucrecio quiere escribir el poema de la materia, pero en seguida nos advierte de que la verdadera realidad de esa materia está hecha de corpúsculos invisibles. Es el poeta de la concreción física vista en su sustancia permanente e inmutable, pero lo primero que nos dice es que el vacío es tan concreto como los cuerpos sólidos. La mayor preocupación de Lucrecio parece ser la de evitar que el peso de la materia nos aplaste. En el momento de establecer las rigurosas leyes mecánicas que determinan todo el acaecer, siente la necesidad de dejar que los átomos puedan desviarse imprevisiblemente de la línea recta, con el fin de garantizar la libertad tanto a la materia como a los seres humanos. La poesía de lo invisible, la poesía de las infinitas potencialidades imprevisibles, así como la poesía de la nada, nacen de un poeta que no tiene dudas sobre la fisicidad del mundo.
Esta pulverización de la realidad se extiende también a los aspectos visibles, y ahí es donde descuella la calidad poética de Lucrecio: las partículas de polvo que se arremolinan en un rayo de sol dentro de un aposento a oscuras (II, 114-124); las minúsculas conchas, todas iguales y todas diferentes, que la ola empuja indolente sobre bibula harena, la arena que se embebe (II, 374-376); las telarañas que, cuando andamos, nos envuelven sin que nos demos cuenta (III, 381-390).
"y blanca nieve que cae sin viento"
Cavalcanti
Gastón Bachelard
...Tout respire a nouveau
La nappe est blanche.
[... Todo respira nuevamente / El mantel es blanco.]
Rene Cazelles, De terre et d'envoléc, ed. G.L.M., 1953, p. 36.
El mantel, ese puñado de blancura, bastó para anclar la casa en su centro.
Y tenemos calor, porque hace frío fuera. En la continuación de ese "paraíso artificial" sumergido en el invierno Baudelaire dice que el soñador pide un invierno duro. "El pide anualmente al cielo tanta nieve, granizo y heladas cuantas puede contener. Necesita un invierno canadiense, un invierno ruso ... con ello su nido será más cálido, más dulce, más amado..."
p.54
La imagen de esas casas que integran el viento, que aspiran a una levedad aérea, que llevan sobre el árbol de su crecimiento inverosímil un nido dispuesto a volar,
P.63
Levedad
I. calvino
Seis propuestas para el próximo milenio
De rerum natura de Lucrecio es la primera gran obra de poesía en la que el conocimiento del mundo se convierte en disolución de la compacidad del mundo, en percepción de lo infinitamente minúsculo y móvil y leve. Lucrecio quiere escribir el poema de la materia, pero en seguida nos advierte de que la verdadera realidad de esa materia está hecha de corpúsculos invisibles. Es el poeta de la concreción física vista en su sustancia permanente e inmutable, pero lo primero que nos dice es que el vacío es tan concreto como los cuerpos sólidos. La mayor preocupación de Lucrecio parece ser la de evitar que el peso de la materia nos aplaste. En el momento de establecer las rigurosas leyes mecánicas que determinan todo el acaecer, siente la necesidad de dejar que los átomos puedan desviarse imprevisiblemente de la línea recta, con el fin de garantizar la libertad tanto a la materia como a los seres humanos. La poesía de lo invisible, la poesía de las infinitas potencialidades imprevisibles, así como la poesía de la nada, nacen de un poeta que no tiene dudas sobre la fisicidad del mundo.
Esta pulverización de la realidad se extiende también a los aspectos visibles, y ahí es donde descuella la calidad poética de Lucrecio: las partículas de polvo que se arremolinan en un rayo de sol dentro de un aposento a oscuras (II, 114-124); las minúsculas conchas, todas iguales y todas diferentes, que la ola empuja indolente sobre bibula harena, la arena que se embebe (II, 374-376); las telarañas que, cuando andamos, nos envuelven sin que nos demos cuenta (III, 381-390).
"y blanca nieve que cae sin viento"
Cavalcanti
Doris Salcedo
"Unland se compone de tres trabajos distintos pero relacionados: Unland: túnica del huérfano, Unland: testigo irreversible, y Unland: audible en la boca, completado en ese orden. Los tres fueron hechos en respuesta a entrevistas que Salcedo realizó en el norte de Colombia con niños huérfanos que presenciaron el asesinato de sus padres. Cada una de las obras une dos mesas diferentes, creando una forma alargada, con cabello humano y seda cruda cosida laboriosamente a través de miles de diminutos agujeros en forma de folículo perforados en las superficies. Estas mesas fracturadas y desmembradas aluden a una familia y un hogar interrumpidos y rotos, lo que resulta en una vida mantenida unida por los medios más precarios.
El título, Unland, es una palabra inventada por Salcedo para sugerir una sensación de desplazamiento. Se inspira en la poesía de Paul Celan (rumano, 1920-1970), cuyas propias palabras son apropiadas para el subtítulo de cada escultura. Celan es conocido por sus escritos después del Holocausto, una época en la que el lenguaje parecía insuficiente para abordar los eventos traumáticos de esa época y, por lo tanto, requería una reinvención".
"Unland se compone de tres trabajos distintos pero relacionados: Unland: túnica del huérfano, Unland: testigo irreversible, y Unland: audible en la boca, completado en ese orden. Los tres fueron hechos en respuesta a entrevistas que Salcedo realizó en el norte de Colombia con niños huérfanos que presenciaron el asesinato de sus padres. Cada una de las obras une dos mesas diferentes, creando una forma alargada, con cabello humano y seda cruda cosida laboriosamente a través de miles de diminutos agujeros en forma de folículo perforados en las superficies. Estas mesas fracturadas y desmembradas aluden a una familia y un hogar interrumpidos y rotos, lo que resulta en una vida mantenida unida por los medios más precarios.
El título, Unland, es una palabra inventada por Salcedo para sugerir una sensación de desplazamiento. Se inspira en la poesía de Paul Celan (rumano, 1920-1970), cuyas propias palabras son apropiadas para el subtítulo de cada escultura. Celan es conocido por sus escritos después del Holocausto, una época en la que el lenguaje parecía insuficiente para abordar los eventos traumáticos de esa época y, por lo tanto, requería una reinvención".
Doris Salcedo Untitled, 1995
Disremembered I , 2014
Disremembered_detail-5
Doris Salcedo - Atrabiliarios, 1992 - 2009
Unland- irreversible witness, 1995–98
Unland- irreversible witness (detail), 1995–98
Louise Bourgeois Red Rooms, parents, 1994
Louise Bourgeois Red Rooms, parents, 1994
30 oct 2017
Del Dibujo de Objetos al dibujo como objeto. El Modelo Beuys
Enlace en Issuu al texto "Del Dibujo de Objetos al dibujo como objeto. El Modelo Beuys"
10 oct 2017
Cuando el viaje se convierte en una serie de tangentes.
Dejo aquí los videos que comentamos en clase con la reflexión de Antonio Weinrichter, sobre el trabajo de Béla Tarr.
La maravillosa secuencia de la explicación del eclipse en Armonías de Werckmeister
La maravillosa secuencia de la explicación del eclipse en Armonías de Werckmeister
https://youtu.be/SmDFkstikX4
y el paseo de los dos protagonistas en la misma película, subrayando la importancia del movimiento y el sonido real, los pasos, el viento, como elemento fundamental de construcción de la poética de Tarr.
Béla Tarr, Werckmeister Harmóniák (2000) corte del paseo 1:05:19 a 1:07:00. min. from Antonio Rabazas on Vimeo.
Comentamos también el libro de Vila Matas "El Viajero más lento" un libro altamente recomendable, como todos los de este autor, por la capacidad asociativa que suscita con los múltiples fragmentos de textos y referencias cruzadas.
Vila Matas reproduce la reflexión de Bioy Casares en su texto "Sobre la escritura: conversaciones en el taller literario"
A lo que buscan originalidad habría que decirles que buscarla es una manera poco sutil de lograrla, ya que para conseguirla les bastaría con ser ellos mismos.
Titula una entrada con una variación del verso de Borges "Cada tarde es un puerto" de su poema Singladura publicado en Luna de enfrente (1925) transformándola En Barcelona cada tarde es un puerto p. 39 y que nosotros podríamos a su vez adaptar para nuestro proyecto:
y el paseo de los dos protagonistas en la misma película, subrayando la importancia del movimiento y el sonido real, los pasos, el viento, como elemento fundamental de construcción de la poética de Tarr.
Béla Tarr, Werckmeister Harmóniák (2000) corte del paseo 1:05:19 a 1:07:00. min. from Antonio Rabazas on Vimeo.
Comentamos también el libro de Vila Matas "El Viajero más lento" un libro altamente recomendable, como todos los de este autor, por la capacidad asociativa que suscita con los múltiples fragmentos de textos y referencias cruzadas.
Vila Matas reproduce la reflexión de Bioy Casares en su texto "Sobre la escritura: conversaciones en el taller literario"
A lo que buscan originalidad habría que decirles que buscarla es una manera poco sutil de lograrla, ya que para conseguirla les bastaría con ser ellos mismos.
Titula una entrada con una variación del verso de Borges "Cada tarde es un puerto" de su poema Singladura publicado en Luna de enfrente (1925) transformándola En Barcelona cada tarde es un puerto p. 39 y que nosotros podríamos a su vez adaptar para nuestro proyecto:
En Madrid cada tarde es un puerto.
Dejándonos llevar en nuestro deambular por la oportunidad que supone someternos a la pérdida consciente, como decía Benjamin, la inconsciente es pura trivialidad. Provocar la llegada de la sorpresa en nuestras tangentes de la rueda circular.
Link al trabajo:
-->
y leímos el epílogo cuyo link dejo aquí:
Link al texto de E. Vila Matas El Café Bonabou
Por último dejo aquí la portada de la novela gráfica El caminante de Jiro Taniguchi, como un pequeño homenaje a ese magistral dibujante y contador de historias, que nos dejó para transformarse ya solo en tinta y papel en febrero de este año.
Link al trabajo:
Caso práctico:
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y leímos el epílogo cuyo link dejo aquí:
Link al texto de E. Vila Matas El Café Bonabou
Por último dejo aquí la portada de la novela gráfica El caminante de Jiro Taniguchi, como un pequeño homenaje a ese magistral dibujante y contador de historias, que nos dejó para transformarse ya solo en tinta y papel en febrero de este año.
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