En la carpeta de proyectos encontraréis los textos fundamentales con los que vamos a trabajar.
Acabo de subir el texto de Italo Calvino "El Conde de Montecristo" el lunes debatiremos en clase este texto y su relación con las metodologías proyectuales.
Subido también "Seis propuestas para el próximo milenio"
Cuaderno de bitácora y herramienta docente del profesor Antonio Rabazas para el curso de proyectos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid.
10 oct 2012
2 oct 2012
Especies de Espacios. Georges Perec
Como comentamos en la primera clase de proyectos os dejo un link al libro de Perec
Traigo aquí un texto de Matias Serra titulado Breve aproximación a la obra-vida de Georges Perec que puede servir para situar al autor y al "personaje"
Cuentan sus amigos que cuando Perec se
subía a un auto enseguida pegaba un grito. Quería que creyeran que se había
agarrado un dedo con la puerta. La anécdota lo delata como un hombre dedicado a
provocar efectos y lo cierto es que muchas de sus bromas más certeras –aquellas
que dejó por escrito repercuten todavía hoy. De hecho, la sola obra de Perec
bastaría para acabar con la última de las plagas bíblicas, la de los talleres
literarios. Nadie probó caminos tan diversos con tan buenos resultados; nadie
sería capaz de nutrir con tantas ideas gratuitas a un curso de “creatividad”. A
pesar de que murió a los 46 años, Perec fue todos los escritores que quiso ser.
Casi un artista conceptual, armó y desarmó los mecanismos de todos los géneros,
y con tal de explorar nuevas zonas para la literatura saltó al vacío en más de
una oportunidad: “Jamás tuve deseos de repetir en un libro una fórmula, un
sistema o una manera elaborada en un libro anterior.”
Perec puede aparecer como una
curiosidad, un fenómeno que podría recalar en el estante de los Entusiasmos
Pasajeros, es decir alguien que más que lectores recluta simpatizantes. Pero
sería una apreciación despistada y nadie puede dudar de que sobre el puñado que
lo sigue ejerce una fascinación sin límite. Sobre todo cuando sus libros evocan
para esos lectores una serie de momentos del pasado, puntuales, decisivos, y
volver a ellos equivale a asomarse a un precipicio. Un vértigo similar al de oír
la voz grabada de Perec, clarísima, recortada en el aire, que hace creer que
los equipos utilizados eran los más avanzados (como si lo hubieran grabado
después de la muerte.) Esa voz es, asimismo, otra manifestación de su estilo
escrito. Sobre su prosa seca, puntuada por la lógica, apuntaba Italo Calvino:
“Nadie más inmune que Perec al peor azote de la escritura de hoy: la vaguedad”.
Los libros de la buena memoria
La precisión fue un arma que acompañó
a Perec toda la vida, para la escritura y la memoria. Perdió a su padre y a su
madre –polacos de apellido Peretz– en la Segunda Guerra, y si quiso consagrarse
a una misión ésta fue la de dejar huella, trazos, en lo posible imborrables:
“Lo indecible no se agazapa en la escritura, es lo que la ha desencadenado
mucho antes... Durante mucho tiempo esta ausencia de historia me tranquilizó:
su sequedad objetiva, su evidencia ostensible, su inocencia, me protegían; pero
¿de qué me protegían sino precisamente de mi historia, de mi historia vivida,
de mi historia real, de mi historia mía que, cabe suponer, no era seca,
objetiva, ostensiblemente evidente ni evidentemente inocente?” Años después, el
pasado lo premió con apariciones. El texto Me
acuerdo le pasa lista a maravillosos detalles perdidos: “Me acuerdo de un
inglés manco que le ganaba a todo el mundo al ping-pong en el Chateau D’Oex”;
“Me acuerdo del tenis barba: contábamos los barbudos que pasaban por la calle:
15 por el primero, 30 por el segundo, 40 por el tercero y ‘game’ por el
cuarto”; “Me acuerdo del baño que tomaba el sábado a la tarde al volver del
colegio.” Enumerar, catalogar y clasificar hasta la hipnosis, la intoxicación:
“Lo que me fascina en Verne es que es el único escritor, en fin, después de
Rabelais, capaz de ocupar cinco páginas con nombres de peces sin que sea
aburrido. Son las palabras que crean la historia, que la suscitan...” Listas y
listas contra el olvido, la anulación. Retratar una mesa de trabajo, los
lugares donde uno durmió, redactar la nómina de deseos que habría que cumplir
antes de morir.
En un inventario de cosas que le
gustan, Perec arranca así: “Me gusta: los parques, los jardines, el papel
cuadriculado, las lapiceras, las pastas recién hechas, Chardin, el jazz, los
trenes, llegar con tiempos a un lugar, el basilisco, caminar por París,
Inglaterra, Escocia, los lagos, las islas, los gatos...” Entre las cosas que no
le gustan: “las legumbres, los relojes de pulsera, los políticos, los
directores, los subdirectores, los peluqueros, la publicidad, el té, Chabrol,
Godard, la mermelada, la miel, las motos...” Este zurdo corregido que amaba los
diccionarios fue paracaidista durante su servicio militar y trabajó diecisiete
años de documentalista en un laboratorio: “Es esencial que un escritor se gane
la vida fuera de la literatura.” Otra manía del autor de El gabinete de un
amateur era coleccionar, sobre todo rompecabezas. Un pasatiempo que le
recordaba a un autor apreciado: “Michel Butor dice algo así: la escritura es un
rompecabezas al que le falta una pieza, y las piezas que existen son todos los
escritores que te rodean, todo los que te iluminan, estimulan, y la pieza que
falta, que va a acabar el juego, son los libros que harás vos mismo.” Entre sus
libros favoritos se cuentan La verdadera
vida de Sebastian Knight de Nabokov y El
libro de la almohada de Sei Shonagon; el autor determinante para su
vocación fue Malcolm Lowry: “Leo poco pero releo sin cesar, Flaubert y Julio
Verne, Roussel y Kafka, Leiris y Queneau; releo los libros que me gustan y me
gustan los libros que releo, y en cada ocasión con la misma fruición, relea
veinte páginas, tres capítulos o el libro entero: una complicidad, una
connivencia o, todavía más, un parentesco finalmente reencontrado.”
El peatón del espacio
El ping-pong fue su primera y última
actividad física, pero lo que lo mantenía en forma era caminar. Para él, París
es sinónimo de andar, perder el tiempo con sutileza. Existe una estrella que en
su honor que lleva el nombre Perec, pero el espacio que a Perec le interesa es
el cotidiano, puertas adentro y puertas afuera: “Colgué el cuadro en la pared
para olvidarme que había una pared, pero olvidándome de la pared me olvido
también del cuadro.” El extraordinario ensayo Especies de espacios viaja desde el rectángulo de una página en
blanco, a una cama, una habitación, un departamento, un edificio, la calle, la
ciudad. Perec no conoce París como la palma de la mano: París es las líneas de
su mano. En la revista Télérama publicaba unos crucigramas geográficos,
editados luego con el título Perec/rinations, para que los lectores
redescubrieran Paris a través de itinerarios reglados por nombres de calles.
Deambulaciones alfabéticas: emprender recorridos por calles que empiecen con A
y así ir atravesando todo el abecedario, o sólo por calles que empiecen con la
misma letra, o se recorran cronológicamente según la época de los personajes
que llevan el nombre de la calle.
Perec se mudó decenas de veces dentro
de la ciudad y su París, tal como lo filmó en Lugares de una fuga, aparece sembrada de sitios donde se ausentaba
de clases: la infancia como un rosario de planos fijos. A Perec le interesan
los lugares donde uno no debería estar, los lugares que nos eligen de
legatarios. Escribió sobre la calle en la que vivió durante sus primeros años,
rue Vilin, “donde corría con un dibujo de un oso en la mano.” Se embarcó en el
proyecto de escribir durante doce años sobre doce lugares de París claves en su
vida. Cada mes capturaba dos de estos lugares, uno de memoria y otro in situ.
Con Tentativa de descripción de un lugar parisino buscó detallar desde una sola perspectiva, en solo dos días, la
Place St. Sulpice. Ejercicios de observación con el fin de agotar un lugar
“hasta que se torne improbable.” Otro modo de acercarse a lo que Perec llama lo
infra-ordinario: “Cómo hablar de esas
cosas comunes, más bien cómo
acorralarlas, cómo hacerlas salir, arrancarlas de la corriente en la que
permanecen sumergidas, cómo darles un sentido, una lengua: que hablen
finalmente de lo que existe, de lo que somos... Me importa mucho que parezcan
triviales y fútiles: eso es lo que, precisamente, las vuelve tanto más
esenciales que otras a través de las cuales hemos intentado vanamente captar
nuestra verdad.” Incluso contra su voluntad, Perec es de esos escritores que
enseñan muestran, orientan un modo de mirar, de estar presente: “Vivir es pasar
de un espacio a otro haciendo lo posible por no darse un golpe.”
El programa Perec
Es en Especies de espacios donde anuncia el proyecto de su gran novela, La vida instrucciones de uso: “Me
imagino un inmueble parisino al que le arrancaran la fachada.” Construida como
un puzzle, la obra describe cada una de las piezas a la vista y quiénes viven
en ellas. La obra, que le llevó nueve años de trabajo, es todo lo que se ha
dicho: una invención extravagante, irónica, erudita, minuciosa al extremo,
plagada de fabricantes de juguetes, antropólogos incomprendidos, botanistas
fracasados, ciclistas intranquilos, aviadores argentinos. Como a sus
personajes, Perec se exige destrezas casi imperceptibles.
Lo que más se recuerda de Perec es,
además, su primera novela, Las cosas,
que se aventura hacia los objetos y sus usos, “la fascinación de las cosas, la
presión que ellas ejercen”. La ropa, los muebles, la mitología de lo diario
alimentada por sucesivas visitas de Perec a los seminarios de Roland Barthes. Y
han sido muy festejadas sus novelas-proeza,
La disparition (traducida como El secuestro), escrita sin la letra “e”, la
más común del abecedario francés, y Les
Revenentes, escrita con esa sola vocal y ninguna otra. En Las cosas y La vida... Perec recurre al préstamo sistemático de otros autores.
Su biógrafo y traductor David Bellos señala: “Tomar oraciones de un gran
escritor es un acto desafiante; crea un desafío para el lector y a la vez es
una expresión de modestia. ¿Por qué un escritor no puede trabajar como un
carpintero, construyendo un objeto terminado a partir de piezas preparadas para
él de antemano?” Un hombre que duerme,
de hecho, es una novela collage, armada con frases de Melville, Kafka, Joyce,
Barthes, Diderot. Inocente declarado, Perec revela el procedimiento –la
traducción por otros medios– con sus palabras: “Verne y Roussel no hacían sino
recopiar fragmentos de las enciclopedias... Obviamente, mi objetivo no es
rescribir Don Quijote, como el Pierre Menard de Borges, pero sí quiero, por
ejemplo, rehacer mi Melville favorito, Bartleby. Como es imposible escribir un
relato que ya existe, no quería hacer un pastiche sino escribirlo otra vez,
digamos, hacer un Bartleby diferente, bueno, en realidad, el mismo Bartleby,
excepto que un poco más… como si yo mismo lo hubiera inventado.”
La tienda oscura es otra
clase de apropiación, ya que reúne sueños, y se lee como una suerte de
educación oblicua, sentimental. Perec también escribió un breve y exquisito
tratado sobre el Go, juego japonés que admiraba por su mezcla de “suavidad
impasible y sutileza feroz”, y cuyos misterios Perec comparaba con los de la
escritura. No se debería omitir el prodigioso W, o el recuerdo de la infancia,
mitad autobiografía, mitad novela de aventuras. Y su última novela, un policial
inconcluso, que se originó a partir del desafío de escribirla en 53 días, el
tiempo que le llevó a Stendhal redactar La
cartuja de Parma. Algunos lo consideran un maestro posmoderno, pero que
nadie le tema a una irrupción cutánea: nada de lo que Perec escribió huele a
flor de invernadero.
(...)
El domingo 11 de mayo de 1958 Perec
entró a un cine a ver Las vacaciones de
Monsieur Hulot de Jacques Tati. Quince años después probó sus primeras
armas en el cine, que nunca dejó de ser bastante más que una distracción: “Me
acuerdo de Robert Mitchum cuando dice “Children...” en la película de Charles
Laughton La noche del cazador.” Casi
cuarenta años más tarde, el biógrafo de Perec se convirtió en el biógrafo de
Tati, que también murió en 1982.
Y empezaron así a asomar las
correspondencias: “hay un aire de familia entre los juegos que los oulipianos
hacían con palabras, y las restricciones formales y el finísimo humor del arte
cinematográfico de Tati.”
Hay notables casos de escritores
cineastas en Francia: Cocteau, Duras, Robbe-Grillet. Perec filmó Un hombre que duerme, Relatos de Ellis Island y Lugares de una fuga, pero su ojo no
estaba puesto en enlistarse en ese elenco.
Es probable que su muerte haya marcado
un punto de no retorno en la literatura francesa. Para cerciorarse, el lector
levanta la vista. Pasa un hombre con un portafolio mal cerrado. Pasa una joven
con un libro asomando de la cartera. Pasa el autor, es él, Georges Perec, con
aspecto de no haber dormido.
Etiquetas:
Especies de espacios,
Georges Perec
23 sept 2012
Otros paisajes
Metrópolis estrena Carta Blanca a…, una nueva serie dentro de su programación habitual en la que invita a comisarios o coleccionistas, entre otros profesionales del arte contemporáneo, a presentar una serie de obras seleccionadas exclusivamente según sus criterios y gustos personales.
El primero de ellos es Rafael Doctor Roncero (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 1966). Historiador del arte, fue responsable de la programación del Espacio Uno del MNCARS entre 1997 y 2000 y dirigió el MUSAC de 2002 a 2009. En la actualidad trabaja como comisario free lance y reside en Madrid.
Rafael Doctor ha optado por un enfoque temático que refleja la renovada presencia del paisaje en la creación contemporánea. Repasa, bajo el título Otros paisajes, la obra de 11 autores españoles que, desde la pintura, la escultura, el video, el collage, la fotografía o el dibujo redefinen uno de los géneros esenciales del arte.
“El paisaje actual es un paisaje reinventado a través de la diversidad de medios que hoy cuenta la paleta del artista ya partan estos de su confrontación directa con la realidad o de su elaboración en el estudio. En un mundo esencialmente urbanita, el artista contemporáneo realiza diferentes acercamientos hacia un exterior que resiste sus constantes intervenciones, hacia una naturaleza que aún es capaz de dar respuestas a sus preocupaciones y que sigue siendo en buena medida lugar de inspiración para sus obsesiones.” (Rafael Doctor)
Los acercamiento a la hora de pensar e interpretar el paisaje son absolutamente diferentes y van desde la visión apocalíptica que plantea Marina Núñez o Santiago Talavera, la visión romántica a partir de la idea de sublime de las fotografías de José Ramón Aís y en cierta medida en las pinturas de Jose Luís Serzo, el acercamiento humanista de Pierre Gonnord, la visión sobre espacio y el tiempo que aparece en las obras de Lois Patiño, la visión melancólica que producen los paisajes nocturnos que generan los entornos urbanos presente en la obra de Miquel Llonch, el acercamiento crítico social haciendo uso de la historia de la representación humana que hace el colectivo MR, el acercamiento a través del imaginario familiar o de la memoria que hace Enrique Marty o la generación de paisajes siempre artificiales de Philip Frolich, junto con la posibilidad de generar imágenes de una manera mixta utilizando las técnicas tradicionales con las nuevas técnicas digitales que se aprecia en la obra de Juan Palomares.
http://www.rtve.es/television/20120518/otros-paisajes/528397.shtml
ATOPÍA. Arte y ciudad en el siglo XXI
http://www.rtve.es/television/20101213/atopia-arte-ciudad-siglo-xxi/385996.shtml
Metrópolis ofrece un recorrido por la exposición ATOPÍA, una de las numerosas actividades dedicadas a lo largo de 2010 a la Ciudad, que se pudo ver entre febrero y mayo en el CCCB (Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona).
A lo largo de la primera década del siglo XXI la Ciudad ha estado en el punto de mira de sociólogos y políticos, de especuladores y activistas, de ciudadanos y artistas. ATOPÍA, compuesta por obras de unos 40 artistas producidas desde el cambio de milenio, abordó el malestar del individuo frente a la ciudad actual centrándose en una urbe que pierde sus funciones como espacio de encuentro y realización para convertirse en un espacio de pérdida y fracaso.
La exposición comisariada por Josep Ramoneda e Iván de la Nuez estuvo estructurada en cuatro apartados temáticos entre los que medían tres transiciones.
La ciudad vs. el habitante describe la tensión entre el artista/individuo y la ciudad con obras de Anothermountainman (Hong Kong), Loulou Cherinet (Estocolmo), Tim Eitel (Berlín/Nueva York), Carey Young (Londres), Emeka Okereke (Lagos/Paris), Mona Vatamanu y Florin Tudor (Bucarest), George Osodi (Londres/Lagos) y Andreas Gursky (Düsseldorf). En foto y videoperformances, pinturas y fotografías se muestran las rutinas urbanas, así como el aislamiento y las agresiones a las que se encuentran sometidos los habitantes.
La ciudad sin habitante presenta la ciudad como una entidad postcapital, abstracta y fantasmal. En este apartado compuesto por fotografías, esculturas e instalaciones de Baltazar Torres (Oporto), Montserrat Soto (Barcelona), Garlos Caraicoa (Madrid/La Habana), James Casebere (Fort Greene, Brooklyn), Tiffany Chung (Saigón) y Dionisio González (Sevilla) vemos una after city que ha decretado la victoria del urbanita sobre el ciudadano, de la multitud sobre la comunidad, del vacío sobre la soledad y de la expulsión sobre la acogida.
El habitante sin la ciudad habla de la pérdida de las señas de identidad, de cómo estas se han convertido en causa de exclusión, de separación y de marginación. Las fotografías, esculturas y videos de Adrian Paci (Milán), Philip-Lorca diCorcia (Nueva York), Vanessa Beecroft (Los Ángeles/Nueva York) y Erwin Wurm (Viena) nos muestran sujetos petrificados, seres indiferentes, actores sin rostro.
Apoteosis urbana, finalmente, enfoca la ciudad como espacio posible: la contracultura, la fiesta y el ruido como remedios contra el desasosiego y la tensión, contra la violencia y la indolencia, la basura y la opulencia. Las fotografías y videos de Alexander Apóstol (Caracas/Madrid), David Lachapelle (Nueva York), Daniel Canogar (Madrid), Rogelio López Cuenca y Elo Vega (Barcelona) proponen una mirada algo mas lúdica, a veces incluso un poco frívola sobre la ciudad.
En las transiciones entre los apartados se pueden ver dos fotografías y una escultura de Carlos Irijalba (Nueva York) así como videos de Sergio Belinchón (Berlín) y José Antonio Hernández Díez (Barcelona).
Metrópolis ofrece un recorrido por la exposición ATOPÍA, una de las numerosas actividades dedicadas a lo largo de 2010 a la Ciudad, que se pudo ver entre febrero y mayo en el CCCB (Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona).
A lo largo de la primera década del siglo XXI la Ciudad ha estado en el punto de mira de sociólogos y políticos, de especuladores y activistas, de ciudadanos y artistas. ATOPÍA, compuesta por obras de unos 40 artistas producidas desde el cambio de milenio, abordó el malestar del individuo frente a la ciudad actual centrándose en una urbe que pierde sus funciones como espacio de encuentro y realización para convertirse en un espacio de pérdida y fracaso.
La exposición comisariada por Josep Ramoneda e Iván de la Nuez estuvo estructurada en cuatro apartados temáticos entre los que medían tres transiciones.
La ciudad vs. el habitante describe la tensión entre el artista/individuo y la ciudad con obras de Anothermountainman (Hong Kong), Loulou Cherinet (Estocolmo), Tim Eitel (Berlín/Nueva York), Carey Young (Londres), Emeka Okereke (Lagos/Paris), Mona Vatamanu y Florin Tudor (Bucarest), George Osodi (Londres/Lagos) y Andreas Gursky (Düsseldorf). En foto y videoperformances, pinturas y fotografías se muestran las rutinas urbanas, así como el aislamiento y las agresiones a las que se encuentran sometidos los habitantes.
La ciudad sin habitante presenta la ciudad como una entidad postcapital, abstracta y fantasmal. En este apartado compuesto por fotografías, esculturas e instalaciones de Baltazar Torres (Oporto), Montserrat Soto (Barcelona), Garlos Caraicoa (Madrid/La Habana), James Casebere (Fort Greene, Brooklyn), Tiffany Chung (Saigón) y Dionisio González (Sevilla) vemos una after city que ha decretado la victoria del urbanita sobre el ciudadano, de la multitud sobre la comunidad, del vacío sobre la soledad y de la expulsión sobre la acogida.
El habitante sin la ciudad habla de la pérdida de las señas de identidad, de cómo estas se han convertido en causa de exclusión, de separación y de marginación. Las fotografías, esculturas y videos de Adrian Paci (Milán), Philip-Lorca diCorcia (Nueva York), Vanessa Beecroft (Los Ángeles/Nueva York) y Erwin Wurm (Viena) nos muestran sujetos petrificados, seres indiferentes, actores sin rostro.
Apoteosis urbana, finalmente, enfoca la ciudad como espacio posible: la contracultura, la fiesta y el ruido como remedios contra el desasosiego y la tensión, contra la violencia y la indolencia, la basura y la opulencia. Las fotografías y videos de Alexander Apóstol (Caracas/Madrid), David Lachapelle (Nueva York), Daniel Canogar (Madrid), Rogelio López Cuenca y Elo Vega (Barcelona) proponen una mirada algo mas lúdica, a veces incluso un poco frívola sobre la ciudad.
En las transiciones entre los apartados se pueden ver dos fotografías y una escultura de Carlos Irijalba (Nueva York) así como videos de Sergio Belinchón (Berlín) y José Antonio Hernández Díez (Barcelona).
7 jun 2012
El enigma de la fruta
El enigma de la fruta es un colectivo artístico inclasificable, dieron una conferencia en la Facultad de Bellas Artes "La creatividad como fruto" memorable, uno de sus componentes Luís García fue alumno mío y desde entonces todo lo que hace lo sigo con mucho interés.
23 may 2012
El 15M y Elizabeth Eidenbenz, la enfermera suiza que montó la Maternité suisse d'Elne
Nuestra compañera Dolores Fernández esta trabajando en un proyecto de investigación sobre Elizabeth Eidenbenz, la enfermera suiza que montó la Maternité suisse d'Elne. Es muy interesante la relación que hace este programa de la TV. francesa con que aquí está sucediendo y la solidaridad ante las migraciones, los otros, los que llegan buscando un mundo mejor, como ocurrió en la guerra civil española.
El link de la página:
http://freevoteforum.blogspot.com.ar/2012/05/blog-post_22.html
19 may 2012
Abstract Birds : Les Objets Impossibles
Live audiovisual concert in two parts, realized in collaboration with:
Arcadi, IRCAM, Ensemble Intercontemporain and Dmitri Kourliandski.
Objet 1
We created a realtime sound-reactive software to visualize the two
pieces composed by Dmitri Kourliandski and performed by the Ensemble
Intercontemporain. IRCAM used 24 microphones to get a separated audio
signal from each instrument of the ensemble. Thomas Goepfer created a
software which analyzes each signal and extract the sound information;
the resulting data are sent to our software and used to animate the
elements of the visual composition.We interact in realtime controlling several parameters of the visuals and directing the camera movements. We emphasized the strong dynamic and timbric contrast between the two musical compositions by finding different kinetic and material properties for the two visual counterparts. The monolithic structure of the pieces lends itself to an architectural / sculptural representation, in which the elements are animated and recombined changing the general order but still maintaining the global identity of the work.
The observer is forced / led to change the point of view, explore the object discovering its different aspects and find out that in breaking the perceptual scheme lies the possibility of a new vision. [Vimeo]
http://www.abstractbirds.com/
18 may 2012
FUTURE SELF
FUTURE SELF es un interesante proyecto interdisciplinar fruto de la colaboración del colectivo rANDOM INTERNATIONAL el coreografo Wayne McGregor, y el compositor Max Richter. El video documenta el proceso de trabajo comenzado en Londres, seguido en Berlín y culminado con tres performances en MADE.
...una imagen nunca es “el mundo”, sino apenas una “imagen del mundo”. Paul Ardenne
John Baldessari
Entrevista con Paul Ardenne:
En una de sus conferencias, aquí, en Lima,
usted dijo que la actividad de un fotógrafo se hallaba expuesta a
múltiples riesgos. Específicamente, ¿a qué se refería?
Pues, a que una imagen nunca es “el mundo”, sino apenas una “imagen del mundo”.
Suena tautológico, por supuesto, es un lugar común; pero existe la
necesidad de remarcarlo, hoy, cuando se ha olvidado, en cierto modo, que
una imagen no es más que una aproximación muy condicionada a la
realidad, nada más que una elección, o una forma de ver, entre muchas
otras formas de ver. Toda imagen, por definición, será siempre
una mentira y un simulacro; toda imagen se comunicará con otras
imágenes, tan o más mentirosas que ella. Ahora bien, si
construimos nuestra representación del mundo, a partir de una cierta
“imagen del mundo”, entonces tenemos ante nosotros un asunto complejo.
Últimamente, me ha interesado la imagen documental —más aún, el próximo
año, en Francia, publicaré un libro al respecto—; y lo que me ha llamado
la atención es una suerte prestigio de que goza la imagen documental,
con relación a su supuesta capacidad infalible para mostrar la verdad
tal cual es. Claramente, un prestigio de esta índole carece de sostén
alguno. Por el simple hecho de ser una imagen, lo documental constituirá
siempre una ficcionalización, una teatralización y una puesta en
escena.
Si deseamos definir, entonces, la verdad de una fotografía, ¿cuál sería un método válido?
Resulta
imposible aprehender algo así como “la verdad de la imagen
fotográfica”; ésta no es más que un punto de vista “óptico”, algo así
como un punto de vista al cuadrado, que ni siquiera puede soñar con
transmitir la verdad. La fotografía depende de clichés, se alimenta de
prejuicios; voy a ofrecerles un ejemplo. Una fotógrafa de la Escuela de
Arles me invitó a verla trabajar; su proyecto era la vida del campo. ¿Y
en qué se fijó, esa fotógrafa? Pues, en gente que cocinaba, en personas
que trabajaban, en individuos que dormían en casas pobres. Algo de
verdad habrá habido en sus imágenes, ¿no?, pues, a fin de cuentas, los
campesinos cocinan, trabajan y duermen en casas pobres; pero esas
imágenes correspondían, sobre todo, a cierta concepción de la vida
campesina que ella, la fotógrafa, tenía en la cabeza antes de hallarse
sobre el terreno mismo; es decir, no hizo más que prolongar, que
plasmar, sus prejuicios.
Otro ejemplo, éste, más cercano a ustedes. Hace un par de días —estuve por allí, dictando una charla—, un profesor de la Universidad Católica
me regaló un libro bastante grueso; no lo tengo conmigo, lástima, se
los hubiera mostrado; ese libro compila la producción de los talleres de
fotografía de la Universidad Católica,
en algo así como una década de trabajo. Pues bien, discúlpenme, no
quiero ser agresivo ni maleducado, pero ese libro me pareció espantoso.
Los alumnos, los participantes de esos talleres, habían recibido la
tarea de fotografiar “a la gente del Perú”, habían viajado a los Andes.
Yo no vi más que fotografía argéntea, en blanco y negro. ¿Y por qué no
en color?, me pregunté, de inmediato… Todos los alumnos habían utilizado
filtros, en el momento de las tomas, y todas las imágenes habían sido
retocadas, siempre, en el positivado, con la finalidad “estética” de
ennegrecer el cielo y de resaltar las nubes; y, como por obra y gracia
de la casualidad, la gente se mostraba en grupo —y, por lo tanto, la
idea de comunidad quedaba exaltada—; y la gente del Ande siempre eran
mostrados muy pulcramente, muy limpios (sic). En resumen, un cliché del
pueblo unido, comunitario en su miseria. En ese libro de la Universidad Católica, yo solo vi la realidad andina manipulada en nombre de convicciones socialistas o guevaristas.
A
su juicio, ¿esas imágenes buscaron la verdad, pero no la encontraron?
¿Se animaría a esbozar una diferencia teórica entre “verdad y veracidad”
de la imagen?
La
fotografía no es más que un encuadre y no tiene nada que ver con la
verdad. Si capturásemos la entrada de este hotel, por ejemplo, el
espectador no sabría qué hay al costado, ni qué hay arriba (tal vez ni
siquiera se percatase de que estamos en un hotel). Acaso una imagen
móvil se acerque más a la veracidad —vale decir, a la imitación de la
realidad—, porque la cámara puede desplazarse, y el sonido puede ser
agregado; pero, como fuera, en cualquier imagen siempre faltarán el
olor, la temperatura. Que un creador de imágenes, a inicios del siglo
XXI, continúe empeñado en reproducir la realidad, por favor, eso carece
de sentido. Acabo de ver la exposición “Mirafoto”; me pareció muy mala, malísima. No les estoy diciendo que, en Europa, las cosas sean mejores: la semana pasada vi Paris-Photo,
y me pareció igual de mala, la misma farsa. La crisis no es Mirafoto,
la crisis no es el “mes de la fotografía en París”; la crisis es la
fotografía en sí misma, que se siga diciendo que una imagen puede hablar
por el mundo, cuando, por definición, se halla impedida de hacerlo.
Salvo que sea utilizada como una mera herramienta, además, bastante
limitada, a la manera de un pincel —salvo que tenga una finalidad
artística—, la fotografía no tiene razón de existir. Una imagen
artística no me incomoda, no me ofende; nunca una fotografía artística
ha intentado “ser” la realidad, sino una alegoría. La crisis, pues, yace en el mito de la fotografía como documental. Ese mito estuvo vivo y tuvo vigencia, en la época de Robert Capa,
pero, incluso entonces, se recibían las imágenes como visiones
parciales del mundo, visiones particulares, rápidas, fugitivas y falsas.
Sí, en efecto, ha habido un mito de la fotografía. Pero, ahora, ni
siquiera queda eso; ahora, sólo hay festivales, muchos festivales, que
no sirven para nada y que deberían ser suprimidos.Ver entrevista completa en:http://lacinefilianoespatriota.blogspot.com.es/2007/12/los-riesgos-de-la-imagen-entrevista-con.html
La suma de los días Art Experience:NYC
"La suma de los días" es una instalación del artista brasileño Carlito Carvalhosa interesante ejemplo de una intervención inteligente, sutil y de gran belleza en un espacio público.
23 abr 2012
Peter Forgacs The Land of Nothing
An amateur film journal sometimes contradicts the 'official', the so called 'public history' from a private history view. Sometimes offers a radically different, emblematic, or even banal aspect. But rarely may we see the unseen, a private view of the bloody WW2, diary footage of László Rátz that was never aimed for the public eye, made only for family memory.
Rátz, ensign of the Second Hungarian Army, 18th Szekszárd Infantry, was shooting 9,5 mm family films from 1938. His private film eye just the observant's gaze around without ideological filter. This war film story begins with their entrainment in June 1942, and follows, registers the exhausting long march of the Second Hungarian Army through half the Ukraine. On the road side Ukraine people stare in to the camera. Reaching the Don River, the Second Hungarian Army was immediately thrown into the bloody and devastating clash with the Soviets at the Voronhez front. Rátz filmed until the eve of the catastrophe of the Hungarian Army at the river Don. He safely brought the films home on his Christmas leave 1942, so this unique chronicle survived...
22 mar 2012
Animación fotografía Ucraniana
http://blackandwhite.org.ua
Es
raro. Cuanta más gente saca fotos con cámaras mejores y más baratas, más
evidente se hace la carencia, tanto de las imágenes como de la gente que las
hace.
La perfección de la luz es tan real que cuanto menos presente esté cualquier otra realidad en la fotografía, más real será esa imagen.
Una fotografía no es un documento. Hasta tiene problemas en diferenciar décadas. Una fotografía no refleja lo que alguna vez fue, sino (como mínimo) algo que siempre es. No es la indicada para fijar otra cosa que no sea el espacio atrapado con sus rayos de luz: ni el color, ni las líneas, ni las configuraciones; sólo la coexistencia de diversas dimensiones en un plano.
La perfección de la luz es tan real que cuanto menos presente esté cualquier otra realidad en la fotografía, más real será esa imagen.
Una fotografía no es un documento. Hasta tiene problemas en diferenciar décadas. Una fotografía no refleja lo que alguna vez fue, sino (como mínimo) algo que siempre es. No es la indicada para fijar otra cosa que no sea el espacio atrapado con sus rayos de luz: ni el color, ni las líneas, ni las configuraciones; sólo la coexistencia de diversas dimensiones en un plano.
Fotografía
es la teoría de la relatividad personificada: tiene que ver con el tiempo, el
espacio y la velocidad de la luz. En este caso, cuantas menos fotos se tomen,
más se beneficia la fotografía.
¿Recuerdas las fotos de nuestros antepasados, en los comienzos del siglo XX? ¿Recuerdas cómo se veían esos rostros fotografiados solo una vez en la vida? Lo mismo se aplica a los propios fotógrafos. Cada fotografía es única en su género.
Alguien dijo alguna vez que un país que produce trescientas variedades de queso es imposible de derrotar. Un país donde se pueden encontrar 94 fotógrafos, no cabe ninguna duda.
Lo que sigue es algo que ni tú puedes explicar. ¿Será porque cada fotografía habla, de hecho, sobre ti?
¿Recuerdas las fotos de nuestros antepasados, en los comienzos del siglo XX? ¿Recuerdas cómo se veían esos rostros fotografiados solo una vez en la vida? Lo mismo se aplica a los propios fotógrafos. Cada fotografía es única en su género.
Alguien dijo alguna vez que un país que produce trescientas variedades de queso es imposible de derrotar. Un país donde se pueden encontrar 94 fotógrafos, no cabe ninguna duda.
Lo que sigue es algo que ni tú puedes explicar. ¿Será porque cada fotografía habla, de hecho, sobre ti?
"Una
foto no es acerca de lo que alguna vez fue, sino (como mínimo) acerca de algo
que siempre es."
Director: Richard
Caesar. Texto: Taras Prokhasko
13 mar 2012
lee anne schmitt
"Cuando me mudé aquí hace unos años, se podían oír los coyotes casi todas las noches.
Todavía se pueden oír a veces, pero hace un año empezaron a aterrazar las colinas y se inició la construcción de viviendas, y luego a la escuela. "
El lavado es un retrato del río lavado que pasa por detrás de la parte más antigua de Newhall, California, donde Lee y yo vivimos. Rodamos la película de lavado en Super8 y se terminó en vídeo. Se trata de una colaboración entre nosotros, que describe las formas en que se utiliza el río lavado, y las personas que lo utilizan, nosotros incluidos. Traza la forma en esta tierra ha cambiado desde que comenzó el desarrollo urbanístico de Valencia, un desarrollo que se espera traiga más de 250.000 personas más en el área para el año 2015.
The Wash
super8 film
20 minutes
The Wash
a portrait film
by lee lynch and lee anne schmitt
12 mar 2012
"Un largo paseo" Werckmeister Harmonies (2000) Bela Tarr
Y
ahora, veremos una explicación que nos ayudará a comprender, incluso a
gente sencilla como nosotros, el significado de la inmortalidad. Lo
único que os pido es que caminéis conmigo por la inmensidad en la que la
constancia, la quietud y la paz, reinan en un vacío infinito.
János Valushka, Armonías de Werckmeister.
János Valushka, Armonías de Werckmeister.
Todo es mucho más grande. El ser humano es sólo una pequeña parte del cosmos.
Béla Tar
Lars Rudolph y Fitz Peter dan un largo paseo en la película Werckmeister Harmonies de Béla Tarr. El material original dura en realidad un poco más de un minuto y medio, “pero parece más largo”.
La dilatación del tiempo mediante la estrategia de la repetición
de intervalos, consigue dotar a la acción de caminar de estos dos personajes en
un paseo “extrañado” en el que la micropoética de los pequeños detalles toma
protagonismo frente a la épica de las grandes narraciones.
7 feb 2012
28 sept 2011
Open Studios Matadero
Dentro de las actividades programadas por El Ranchito, para los artistas en residencia en Matadero, están los "Open Studios". Jornadas de puertas abiertas al público en el que puede visitar los diferentes espacios de trabajo de los artistas, recabar la información sobre las actividades que se desarrollan.
El equipo de NBDY realizó un ensayo público del Acto 1.
Adjunto la propuesta del proyecto y algunas fotografías:
NBDY
Guión y Dirección: Anto Rabzas
Intérpretes: Tania Garrido e Isabel Sánchez
Música: Emmanuel Nallin,
Audiovisual: Anto Rabzas
Breve descripción del proyecto:
Nobody es una propuesta artística de danza y videoarte de carácter híbrido y experimental pensada para un espacio escénico interactivo, que no encaja con facilidad en las estructuras expositivas disciplinares existentes. (No es teatro, no es danza, no es música, no es videoarte, no es Live Cinema, no es un recital poético) pero pretende unificar estas categorías en una sola pieza y este es el reto.
Interpretada por la Cranämour butoh dance theater company, intenta relacionar las acciones propiamente preformativas de campos como la danza, con los lenguajes audiovisuales, (cine, música, realidad virtual) y la poesía desde un punto de vista multidisciplinar.
Su estructura es la de una serie de Actos - performances cortas 4’ a 12’- que pueden funcionar independientemente pero que al ir unidas por una genética común, conforman la pieza escénica nobody de una duración aprox. de 80 min.
Sinopsis:
Un personaje llega a una sala de espera de alguna terminal de transportes indeterminada.
No recuerda su nombre, ni quién es, ni como ha llegado allí.
No sabe en que tiempo vive, si es que vive, y no es un fantasma.
Es Nadie. Nobody.
Otra mujer habita esta sala de espera.
No sabe si es un reflejo de sí misma, o es otro más de una serie de personajes, no sabe si sueños, recuerdos o realidad que aparecen y desaparecen. En algunos casos su alter ego es el que le habla. En otros aparecen episodios de su vida, su madre, la niñez, su padre…
La sucesión de escenas las van uniendo y acercando peligrosamente a la explicación última de porque se encuentra/n en este estado…
Antecedentes
Los miembros del grupo parten de la experiencia de 8 años trabajando en acciones de deriva urbana por la ciudad de Madrid en entornos siempre públicos (calles, plazas, edificios, iglesias, etc.)
A través de la work in progress, The waste city los rituales de danza butoh son reinterpretados con las claves de las artes visuales contemporáneas, acciones, performances y video arte.
Las acciones que nutren el proyecto asumen la estrategia adaptativa al lugar, ya sea en interiores (teatros, museos, galerías, naves industriales,...) o exteriores (espacios públicos, terminales de transporte, plazas, calles,...)
La misma estrategia adaptiva la aplicamos al tiempo. Su duración será flexible determinada por las circunstancias que concurran en cada ocasión, podría darse el caso de realizar una sola Acción de 8’, de 18’, o de 45’.
Los mismos criterios aplicaremos a las videoproyecciones, adaptando siempre la pieza al nivel de complejidad que permita el espacio y el presupuesto con que se interviene.
Esta metodología nos permite obtener experiencias performativas diferentes partiendo de un núcleo conceptual común, lo que nos facilita seguir investigando y desarrollando nuevas soluciones a los retos que cada tiempo y lugar nos pueda plantear.
Siete puntos de partida para nobody
Nobody asume el principio de hibridación transdisciplinar, relacionando las “las artes del hacer” de campos como la danza, las artes escénicas, los lenguajes plásticos y audiovisuales, (cine, música, arquitectura, realidad virtual) con el arte de la reflexión “el cómo hacer” de la poesía, la literatura, la filosofía y las ciencias.
Nobody asume que lo interesante de un relato es su origen, su principio, -como aparece- y su final -como desaparece- donde un acontecimiento nimio, da cuenta de una gran rueda de cambios y transformaciones, y no considera que el tema, y por tanto la función narrativa del lenguaje, sea el elemento principal de la obra.
Nobody asume que en lo incompleto hay lugar para el crecimiento, se insinúan comparaciones, que sugieren en lugar de mostrar, que se detienen antes de ser explícitas, que se las deja a la capacidad interpretativa del espectador.
Nobody asume que la belleza se nutre del cambio y la permanencia, de la semejanza y el contraste, que recoge siempre algo inexpresable y enigmático, aspirando a relacionarlo como en un todo, sin explicaciones.
Nobody asume que cualquier acto contemplativo consciente, mirar o escuchar con atención, es una forma de ejecución musical en la que uno implica su respiración, su movimiento perceptivo intelectual y su relación emocional con el momento.
Nobody asume que la coherencia siempre es una forma de ritmo. Es el eco de aquella vibración inicial por la que todavía temblamos y necesariamente requiere que el receptor desempeñe un papel novedosamente activo.
Nobody asume la realidad problemática que presenta el cuerpo físico con ese segundo cuerpo, que es el lenguaje. Los dos conforman no sólo la realidad social sino también nuestra realidad personal, nuestra identidad. Nobody es una ficción que hace preguntas sobre qué es una ficción.
Por qué Matadero
La naturaleza de los espacios de Matadero junto a su programación experimental nos supone un reto más para trabajar en esta pieza. La idea de socializar el trabajo de mostrar los procesos subyace en nuestro trabajo, pensamos que siempre hay un enriquecimiento mutuo por las sinergias que podemos encontrar con los proyectos de otros grupos de artistas.
Primer montaje NBDY stop motion
El equipo de NBDY realizó un ensayo público del Acto 1.
Adjunto la propuesta del proyecto y algunas fotografías:
NBDY
Guión y Dirección: Anto Rabzas
Intérpretes: Tania Garrido e Isabel Sánchez
Música: Emmanuel Nallin,
Audiovisual: Anto Rabzas
Breve descripción del proyecto:
Nobody es una propuesta artística de danza y videoarte de carácter híbrido y experimental pensada para un espacio escénico interactivo, que no encaja con facilidad en las estructuras expositivas disciplinares existentes. (No es teatro, no es danza, no es música, no es videoarte, no es Live Cinema, no es un recital poético) pero pretende unificar estas categorías en una sola pieza y este es el reto.
Interpretada por la Cranämour butoh dance theater company, intenta relacionar las acciones propiamente preformativas de campos como la danza, con los lenguajes audiovisuales, (cine, música, realidad virtual) y la poesía desde un punto de vista multidisciplinar.
Su estructura es la de una serie de Actos - performances cortas 4’ a 12’- que pueden funcionar independientemente pero que al ir unidas por una genética común, conforman la pieza escénica nobody de una duración aprox. de 80 min.
Sinopsis:
Un personaje llega a una sala de espera de alguna terminal de transportes indeterminada.
No recuerda su nombre, ni quién es, ni como ha llegado allí.
No sabe en que tiempo vive, si es que vive, y no es un fantasma.
Es Nadie. Nobody.
Otra mujer habita esta sala de espera.
No sabe si es un reflejo de sí misma, o es otro más de una serie de personajes, no sabe si sueños, recuerdos o realidad que aparecen y desaparecen. En algunos casos su alter ego es el que le habla. En otros aparecen episodios de su vida, su madre, la niñez, su padre…
La sucesión de escenas las van uniendo y acercando peligrosamente a la explicación última de porque se encuentra/n en este estado…
Antecedentes
Los miembros del grupo parten de la experiencia de 8 años trabajando en acciones de deriva urbana por la ciudad de Madrid en entornos siempre públicos (calles, plazas, edificios, iglesias, etc.)
A través de la work in progress, The waste city los rituales de danza butoh son reinterpretados con las claves de las artes visuales contemporáneas, acciones, performances y video arte.
Las acciones que nutren el proyecto asumen la estrategia adaptativa al lugar, ya sea en interiores (teatros, museos, galerías, naves industriales,...) o exteriores (espacios públicos, terminales de transporte, plazas, calles,...)
La misma estrategia adaptiva la aplicamos al tiempo. Su duración será flexible determinada por las circunstancias que concurran en cada ocasión, podría darse el caso de realizar una sola Acción de 8’, de 18’, o de 45’.
Los mismos criterios aplicaremos a las videoproyecciones, adaptando siempre la pieza al nivel de complejidad que permita el espacio y el presupuesto con que se interviene.
Esta metodología nos permite obtener experiencias performativas diferentes partiendo de un núcleo conceptual común, lo que nos facilita seguir investigando y desarrollando nuevas soluciones a los retos que cada tiempo y lugar nos pueda plantear.
Siete puntos de partida para nobody
Nobody asume el principio de hibridación transdisciplinar, relacionando las “las artes del hacer” de campos como la danza, las artes escénicas, los lenguajes plásticos y audiovisuales, (cine, música, arquitectura, realidad virtual) con el arte de la reflexión “el cómo hacer” de la poesía, la literatura, la filosofía y las ciencias.
Nobody asume que lo interesante de un relato es su origen, su principio, -como aparece- y su final -como desaparece- donde un acontecimiento nimio, da cuenta de una gran rueda de cambios y transformaciones, y no considera que el tema, y por tanto la función narrativa del lenguaje, sea el elemento principal de la obra.
Nobody asume que en lo incompleto hay lugar para el crecimiento, se insinúan comparaciones, que sugieren en lugar de mostrar, que se detienen antes de ser explícitas, que se las deja a la capacidad interpretativa del espectador.
Nobody asume que la belleza se nutre del cambio y la permanencia, de la semejanza y el contraste, que recoge siempre algo inexpresable y enigmático, aspirando a relacionarlo como en un todo, sin explicaciones.
Nobody asume que cualquier acto contemplativo consciente, mirar o escuchar con atención, es una forma de ejecución musical en la que uno implica su respiración, su movimiento perceptivo intelectual y su relación emocional con el momento.
Nobody asume que la coherencia siempre es una forma de ritmo. Es el eco de aquella vibración inicial por la que todavía temblamos y necesariamente requiere que el receptor desempeñe un papel novedosamente activo.
Nobody asume la realidad problemática que presenta el cuerpo físico con ese segundo cuerpo, que es el lenguaje. Los dos conforman no sólo la realidad social sino también nuestra realidad personal, nuestra identidad. Nobody es una ficción que hace preguntas sobre qué es una ficción.
Por qué Matadero
La naturaleza de los espacios de Matadero junto a su programación experimental nos supone un reto más para trabajar en esta pieza. La idea de socializar el trabajo de mostrar los procesos subyace en nuestro trabajo, pensamos que siempre hay un enriquecimiento mutuo por las sinergias que podemos encontrar con los proyectos de otros grupos de artistas.
Primer montaje NBDY stop motion
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11 jul 2011
Congreso Ciudades Creativas
Organizado por la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid y la Asociación Científica Icono14, el II Congreso Internacional de Ciudades Creativas aborda las acciones innovadoras que llevan a cabo agentes públicos y privados, organizaciones gubernamentales y no gubernamentales, empresas y ciudadanos nacionales e internacionales, artistas y colectivos; en fin, todos aquellos que de algún modo intervienen creativamente en la construcción de lo que llamamos ciudad.
http://www.ciudadescreativas.es/
10 jul 2011
Found Footage Hoy
Usos, estilos y formatos contemporáneos del audiovisual de apropiación en España es el título de una investigación llevada a cabo por Gloria Vilches, entre 2008 y 2009 gracias a una ayuda del centro cultural Montehermoso, dentro de su proyecto “Arte e Investigación” (convocatoria 2008). En ella se estudian y clasifican un conjunto de piezas audiovisuales de apropiación realizadas en España o por cineastas experimentales y videoartistas españoles en la última década.
Mediante este blog http://www.foundfootagehoy.com/ Gloria Vilches pone a disposición de cualquier lector interesado e invita a que introduzcáis comentarios, sugerencias o referencias a piezas que no haya llegado a tratar. También podéis descargaros una versión editable.
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apropiacionismo,
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2 jul 2011
Retratos de el Fayum + Adrian Paci: sin futuro visible
Una exposición, que se enmarca en el Festival PHotoEspaña 2011, se pretende hacer visibles los problemas actuales de la población egipcia a través de la obra del artista contemporáneo Adrian Paci. El punto de partida son los conocidos retratos de Fayum, una de las manifestaciones artísticas más impresionantes del período romano de la historia de Egipto realizados durante los siglos I a III a.C.
"John Berger dedicó a estas obras (Los retratos de Fayum) uno de sus textos, más bellos, en el que las relacionaba con las migraciones de nuestra época. La muestra busca rendirle homenaje y reúne 13 retratos que se relacionan indirecta y sutilmente con el vídeo "Centro di Permanenza temporanea", de Adrian Paci. En éste el tiempo parece detenerse, mientras sus protagonistas -posíbles emigrantes que buscan partir pero no se mueven, en espera de un aviónausente, sus rostros de umbral en una frontera congelada - se sienten tan próximos a los muertos - vivos de Fayum. Caras en espera, de pasaporte, en tránsito a una nueva realidad." (Texto del folleto de la exposición)
"...unir dos viajes serenos, el de los moribundos y el de los despojados de derechos. Dos mundos a los que damos la espalda como si no nos incumbieran."
"El comisario de la exposición, Gerardo Mosquera, dice que se trata de las primeras pequeñas “fotos de carnet” y, añado, de un pasaporte al otro mundo."
Al Fayum: la agonía de los “sin papeles”
Julián Sauquillo
Desde Lunes, 30 Mayo 2011 - 09:30
Hasta Domingo, 24 Julio 2011 - 15:00
Museo de arqueología
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